El cine sobre arte

Un siglo de experimentación

Del 7 al 31 de octubre, 2020 / Edificio Sabatini, Auditorio

Gratuita hasta completar aforo

Luc de Heusch. Magritte ou la leçon de choses [Magritte o la lección de cosas]. Película, 1960
Luc de Heusch. Magritte ou la leçon de choses [Magritte o la lección de cosas]. Película, 1960

El Museo Reina Sofía dedica un mes de su programación audiovisual a la historia del cine sobre arte, organizada en una serie de líneas formales que se remontan hasta los años veinte del pasado siglo. Aunque la filmación de las artes fue muy temprana, comenzará a perfilarse en un espacio propio a partir de ese momento, principalmente en Francia, Bélgica e Italia. Sus ramificaciones y debates se prolongan, no obstante, hasta el día de hoy. 

Fue con el fin de la Segunda Guerra Mundial cuando se concretó lo que puede considerarse un género autónomo, con debates internos, polémicas y ramificaciones de diversas propuestas formales enfrentadas. Su terreno por excelencia es el de la no ficción. A mitad de la década de 1940, la UNESCO consideró que el filme sobre arte podía ser un instrumento crucial en el proceso de reconstrucción cultural y política de una Europa en ruinas; se multiplicarían entonces los encuentros internacionales de artistas, cineastas, compositores, historiadores del arte o escritores. Juntos pensaron, en el contexto de la Declaración Universal de los Derechos Humanos, qué podría significar la filmación de las artes y qué singularidades específicas de rodaje, montaje o escritura de guion debería tener una película de este tipo. Las implicaciones de las decisiones que siguieron a toda esta efervescencia teórica y práctica han llegado hasta nuestros días a través de películas que desarrollan o cuestionan aquellos experimentos pioneros, desembocando en el ensayo, el webdoc o la instalación. Revisar esta línea de experimentación que cuenta con un siglo de trayectoria en sus diferentes opciones formales y conceptuales es la propuesta de este ciclo.

Con una historia en gran medida desconocida, limitada en la percepción general a documentales realizados para televisión y a algún ejemplo aislado y descontextualizado –como Le Mystère Picasso, de Henri-Georges Clouzot (1956)–, el cine sobre arte es, sin embargo, uno de los campos creativos más fértiles de la historia de la cinematografía. No en vano, ha sido abordado por algunos de los principales cineastas del siglo XX, como Robert Flaherty, Carl Theodor Dreyer, Michelangelo Antonioni o Agnès Varda, y defendido con entusiasmo por algunos de los más relevantes teóricos del arte y del cine desde la década de 1930, como Pierre Francastel, Siegfried Kracauer o André Bazin. La importancia estética y política del cine sobre arte, su papel en la reinvención del género documental, por un lado, y en la reconstrucción cultural europea frente a los fascismos y tras la Segunda Guerra Mundial, por otro, fue pronto puesto de relieve por autores como el historiador y crítico de arte italiano Giulio Carlo Argan, quien declaraba en 1948:

Si el propósito de la crítica de arte es entender una obra de arte del pasado con la apreciación de un hombre moderno, los filmes sobre arte son, de hecho, crítica de arte; y si, como creo, la crítica de arte tiene un propósito social, puede ciertamente decirse que, desde un punto de vista social, los filmes sobre arte son el más vivo y efectivo sistema de crítica.

Se trata, en definitiva, de un campo creativo autónomo, independiente tanto del cine realizado por artistas como de aquel puramente experimental que se centra en ensayos de percepción, preocupado por la luz o el color. Posee una tradición con literatura crítica propia, delimitada internacionalmente con la denominación de film sur l'art o film on art: películas creadas por cineastas procedentes del documental o de la ficción, que investigan cómo utilizar las herramientas expresivas de su medio para traducir las artes visuales a cine. Comparten la idea clara de concebir películas que no sean meras reproducciones comentadas de las obras de partida, sino la revelación de su esencia por otro medio artístico. Como lo definió el crítico y teórico André Bazin: “un ser estético nuevo, nacido de la conjunción entre la pintura y el cine”.

Este programa traza una cartografía de las diversas tendencias de este campo a lo largo de un siglo, evitando ejemplos mucho más conocidos y menos reveladores del cine de ficción, para poner de relieve la experimentación inagotable producida desde la no ficción. Cada sesión partirá de uno de esos experimentos pioneros para, a continuación, mostrar una serie de películas que modifican de diversas formas esa idea inicial. Con ello, se busca mostrar el nivel de complejidad de un género, aún de actualidad, capaz de ampliar los significados del arte a través del medio fílmico. 

Programa

Luciano Emmer, Enrico Gras y Tatiana Grauding. Racconto da un affresco [Historia de un fresco]. Película, 1940

Miércoles 7 de octubre, 2020 – 19:00 h

Sesión 1. La dramatización de la pintura

Segundo pase: miércoles 21 de octubre – 19:00 h

Con la presentación de: Guillermo G. Peydró

Luciano Emmer, Enrico Gras y Tatiana Grauding. Racconto da un affresco [Historia de un fresco]
Italia, 1940, b/n, VO en italiano subtitulada en español, AD, 10'

Alain Resnais. Van Gogh
Francia, 1948, b/n, VO en francés subtitulada en español, DVD, 18'

Raoul Servais. Papillons de nuit [Polillas]
Bélgica, 1998, color, sin diálogos, AD, 7'

Andy Guérif. Maestà
Francia, 2015, color, sin diálogos, B-R, 60'

La película Racconto da un affresco supuso un acontecimiento de enorme trascendencia en la historia del cine de lo real, revelando las posibilidades expandidas del documental de arte. Sirviéndose de la gramática del cine de ficción, Emmer, Gras y Grauding utilizaron como actores a los personajes pintados por Giotto en la Capilla Scrovegni de Padua. La fórmula tendrá un gran éxito, empezando por el encargo a Alain Resnais de un documental sobre Van Gogh "a la manera de Emmer" –pero con el añadido de un comentario explicativo en off–, que ganaría un Óscar. Pueden evidenciarse distintas transformaciones en películas como Papillons de nuit o Maestà, que distorsionan o invierten los términos del experimento inicial: el primero con la animación, creada a partir de pinturas; el segundo, con actores empleados como personajes pintados que tienden al tableau vivant.

Alain Resnais y Chris Marker. Les statues meurent aussi [Las estatuas también mueren]. Película, 1953

Jueves 8 de octubre, 2020 – 19:00 h

Sesión 2. Del documental poético-experimental al cine-ensayo

Segundo pase: jueves 22 de octubre – 19:00 h

Con la presentación de: Guillermo G. Peydró

Henri Storck. Le monde de Paul Delvaux [El mundo de Paul Delvaux]
Bélgica, 1944-1946, b/n, VO en francés subtitulada en español, B-R, 11'

Vera Jocić. Apel [Llamada]
Yugoslavia, 1964, b/n, VO en serbio subtitulada en español, AD, 11'

Juan José Gurrola. Alberto Gironella (de la serie La creación artística)
México, 1965, VO en español, AD, 25'
Cortesía: Filmoteca de la UNAM, México

Serguéi Paradzhánov. Arabeskebi Pirosmanis temaze [Arabesco sobre el tema de Pirosmani]
Unión Soviética, 1985, b/n, VO en georgiano subtitulada en español, AD, 19'. Versión restaurada en 2019

Alain Resnais y Chris Marker. Les statues meurent aussi [Las estatuas también mueren]
Francia, 1953, b/n, VO en francés subtitulada en español, DVD, 30'

En abierta respuesta a la noción nazi de "arte degenerado", el cineasta Henri Storck, pionero del documental belga, realizó en 1944 un cortometraje sobre el universo pictórico de Paul Delvaux, estructurado de una forma alternativa a la habitual narración dramática, biográfica o pedagógica. Esta forma la heredan y desarrollan Resnais y Hessens en Guernica (1950) –también con un poema de Éluard–, y su propuesta poético-experimental se reconoce en películas de otras partes del mundo, como los ejemplos que incluimos en esta sesión: Llamada, de Vera Jocić, que medita sobre el significado de la escultura tras Auschwitz; Alberto Gironella, en donde el mexicano Juan José Gurrola repiensa las iconografías de la pintura española; o el recorrido "en arabesco" de Paradzhánov por el mundo del artista Pirosmani. En la libertad formal de esta tendencia se apoyará el cine-ensayo sobre arte, que nace con el encuentro de Marker y Resnais en Las estatuas también mueren.

Alain Jaubert. Duchamp. Le temps spirale (de la serie Palettes) [Duchamp. El tiempo espiral (de la serie Palettes)]. Película, 1993

Viernes 9 de octubre, 2020 – 19:00 h

Sesión 3. El análisis audiovisual del arte

Segundo pase: viernes 23 de octubre – 19:00 h

Con la presentación de: Guillermo G. Peydró

Roberto Longhi y Umberto Barbaro. Carpaccio
Italia, 1948, b/n, VO en italiano subtitulada en español, AD, 15'
Procedencia: Fondazione di Studi di Storia dell´Arte Roberto Longhi

Henri Storck y Paul Haesaerts. Rubens
Bélgica, 1948, b/n, VO en francés subtitulada en español, B-R, 60'

Alain Jaubert. Duchamp. Le temps spirale [Duchamp. El tiempo espiral] (de la serie Palettes)
Francia, 1993, color, VO en francés subtitulada en español, DVD, 30'

En 1948, el historiador del arte Roberto Longhi y el cineasta Umberto Barbaro teorizaron una corriente específica de documental divulgativo de autor. Para ellos, la realización cinematográfica debía limitarse a encuadrar el detalle revelador que iluminase el estilo del pintor, sin violentar el aura de las obras. Simultáneamente, otra opción teorizada por el crítico de arte e historiador Carlo Ragghianti apostaba, en cambio, por despiezar hasta sus últimas consecuencias cada obra con vistas a exponer su funcionamiento interno. Ejemplo crucial de esta última tendencia, el Rubens de Storck y Haesaerts fue celebrado en la época como "la entrada triunfal de la Historia del Arte en el cine" por su capacidad para analizar audiovisualmente el arte. Esta opción culminará en la serie Palettes de Alain Jaubert, iniciada en 1988, que tiene ya a su alcance todas las posibilidades de intervención informática sobre la imagen, logrando resultados asombrosos.

Peter Greenaway. Rembrandt’s j’accuse  [La acusación de Rembrandt]. Película, 2008

Sábado 10 de octubre, 2020 – 19:00 h

Sesión 4. El ensayo crítico

Segundo pase: sábado 24 de octubre – 19:00 h

Con la presentación de: Guillermo G. Peydró

Peter Greenaway. Rembrandt’s j’accuse [La acusación de Rembrandt]
Holanda, Alemania, Finlandia, 2008, color, VO en inglés subtitulada en español, AD, 116'

Peter Greenaway ha concebido un tríptico audiovisual dedicado a La ronda de noche de Rembrandt. Una de las tres piezas que lo forman es una biografía de ficción, otra una instalación experimental in situ, y la tercera este film-ensayo sobre arte, que utiliza todas las metodologías conocidas del discurso de la historia del arte: del formalismo al psicoanálisis, de la sociología a la iconología. El cineasta imagina una teoría sobre el significado del cuadro –en conexión con las obsesiones recurrentes de su filmografía– y la defiende con pruebas visuales, en una lección magistral que exprime a fondo las posibilidades del audiovisual.

 

Hans Cürlis. Wassily Kandinsky in der Galerie Neumann-Nierendorf (de la serie Schaffende Hände) (Wassily Kandinsky en la Galería Neumann-Nierendorf  (de la serie Las manos creadoras). Película, 1926

Miércoles 14 de octubre, 2020 – 19:00 h

Sesión 5. El cine procesual: filmar el proceso de creación, antes y después de Le Mystère Picasso

Segundo pase: miércoles 28 de octubre – 19:00 h

Con la presentación de: Guillermo G. Peydró

Hans Cürlis. Wassily Kandinsky in der Galerie Neumann-Nierendorf [Wassily Kandinsky en la Galería Neumann-Nierendor] (de la serie Schaffende Hände [Las manos creadoras])
Alemania, 1926, b/n, sin diálogos, DVD, 37''

Alain Resnais. Visite à Oscar Dominguez [Visita a Óscar Domínguez]
Francia, 1947, b/n, sin diálogos, DVD, 6'

Paul Haesaerts. Bezoek aan Picasso [Visita a Picasso]
Bélgica, 1950, b/n, VO en inglés subtitulada en español, AD, 20'

Hans Namuth. Jackson Pollock 51
EEUU, 1951, color, VO en inglés subtitulada en español, AD, 10'

Albert Maysles, David Maysles, Deborah Dickson y Susan Froemke. Christo in Paris [Christo en París]
EEUU, 1990, color, VO en inglés y francés subtitulada en español, AD, 57'

En 1915 Sacha Guitry filmó algunas de las únicas imágenes en movimiento que tenemos de Rodin, Renoir o Monet. Tomó planos breves de sus rostros, en lo que André Bazin denominó “fotografías animadas de personajes célebres”. Pocos años después, en cambio, el alemán Hans Cürlis realizó un desplazamiento fundamental: cambió el rostro por las manos, de forma que permitía ver nacer, sobre un lienzo en blanco, obras de Kandinsky o Grosz. Esa toma de conciencia cinematográfica irá enriqueciéndose: de la filmación de las manos a la utilización de ralentizados y acelerados –vemos lo segundo en Visita a Óscar Domínguez, de Alain Resnais–; del influyente dispositivo transparente de Haesaerts en su Visita a Picasso, retomado con variaciones en Jackson Pollock 51 y Le Mystère Picasso, a los recursos del cine directo para explorar las negociaciones políticas colindantes al acto de creación, como vemos en Christo en París.

 

Claudio Pazienza. Tableau avec chutes [Cuadro con caídas]. Película, 1997

Jueves 15 de octubre, 2020 – 19:00 h

Sesión 6. El ensayo poético

Segundo pase: jueves 29 de octubre – 19:00 h

Con la presentación de: Guillermo G. Peydró

Claudio Pazienza. Tableau avec chutes [Cuadro con caídas]
Bélgica, 1997, color, VO en francés subtitulada en español, DVD, 102'

Una de las cimas de la línea belga del cine sobre arte –quizá la cinematografía más libre y creativa para este género–, es Cuadro con caídas: un recorrido fílmico imprevisible y sorprendente a partir de un cuadro –Paisaje con la caída de Ícaro, de Brueghel el Viejo–, que acaba ofreciendo una completa radiografía humana de la Bélgica actual. A la vez, es un estudio crítico y político de la observación: la mirada múltiple sobre una imagen y sobre lo que decidimos atender o ignorar de entre todo lo que pasa a diario ante nuestros ojos.

Alain Cavalier. Georges de la Tour. Película, 1999

Viernes 16 de octubre, 2020 – 19:00 h

Sesión 7. El retrato ensayístico I: Retrato de artista y autorretrato de cineasta

Segundo pase: viernes 30 de octubre – 19:00 h

Con la presentación de: Guillermo G. Peydró

Luc de Heusch. Magritte ou la leçon de choses [Magritte o la lección de cosas]
Bélgica, 1960, color, VO en francés subtitulada en español, DVD, 13'

André Delvaux. Met Dieric Bouts [Con Dieric Bouts]
Bélgica, 1975, color, VO en francés subtitulada en español, AD, 28'

Alain Cavalier. Georges de la Tour
Francia, 1999, color, VO en francés subtitulada en español, AD, 26'

Aleksandr Sokurov. Robert. Schastlivaya zhizn [Hubert Robert. Una vida afortunada]
Rusia, 1996, color, VO en ruso subtitulada en español, DVD, 26'

El retrato ensayístico de artista trasciende el retrato documental con la intromisión del cineasta en la obra: el autor o autora reordena las piezas a modo de demiurgo, en tiempo real, y comparte las dudas del proceso creativo con el espectador. El resultado es la realización de piezas únicas a medio camino entre el retrato y el autorretrato que dejan ver la historia literaria, pictórica y fotográfica de este género. Esta sesión propone cuatro retratos de artista que son a la vez autorretratos de cineasta: René Magritte por Luc de Heusch; Dieric Bouts por André Delvaux; Georges de La Tour por Alain Cavalier; y Hubert Robert por Aleksandr Sokurov.

Agnès Varda. Jane B. par Agnès V. [Jane B. por Agnès V.]. Película, 1987

Sábado 17 de octubre, 2020 – 19:00 h

Sesión 8. El retrato ensayístico II: La revisión feminista

Segundo pase: sábado 31 de octubre – 19:00 h

Agnès Varda. Jane B. par Agnès V. [Jane B. por Agnès V.]
Francia, 1987, color, VO en francés subtitulado en castellano, AD, 94'

En este filme Varda realiza un retrato ensayístico de Jane Birkin en el que se plantea, simultáneamente, la distancia entre la pintura y el cine, y entre la mirada masculina y la femenina. Equilibrando el juego de poder implícito en la relación artista-modelo, Varda crea un espacio insólito dentro de las relaciones de fuerza de la historia del arte: quien mira y da órdenes permite a la modelo/musa devolver la mirada y discutir con el artista (aquí cineasta y mujer) las condiciones e implicaciones de su representación pictórica. Jane Birkin, actriz, cantante y modelo es, como Varda, una feminista militante que encarna todas las contradicciones del mundo contemporáneo con respecto al tratamiento cultural de la mujer. Pocas veces se ha trabajado en torno al retrato de forma tan consciente como en esta película.

Gratuita hasta completar aforo

  • Comisariado:

    Guillermo G. Peydró

    Organiza:

    Museo Reina Sofía

    Línea-fuerza:

    Repensar el museo

Añadir a calendario