Futuros posibles

Cine y mundos por venir

30 de abril - 2 de julio, 2021 - (consultar programa) / Edificio Sabatini, Auditorio y Jardín, y Edificio Nouvel, Auditorio 400

Video destacado

Este ciclo audiovisual está dedicado a la imaginación del futuro en el cine realizado entre 1920 y 2020. Cien años de historia en los que el futuro se manifiesta como una idea en disputa entre el progreso concebido como dogma, la crítica radical al presente y el anhelo de nuevos mundos. ¿Cuáles son los futuros imaginados en el pasado y cuál es el futuro proyectado y deseado en nuestro presente?

Una idea se repite en la década de 1990: no existe el futuro. La expansión internacional del capitalismo liberal parecía apropiarse del histórico lema del punk, No Future, para afirmar narcóticamente un presente continuo. El futuro era negado sistemáticamente por los defensores del sistema, pero también por sus críticos más fieros, denostándolo como una categoría de consumo efímera e intrascendente. Después de todo, como nos recordara el crítico cultural Mark Fisher, en su libro Realismo capitalista (Caja Negra, 2016), resulta “más fácil imaginar el fin del mundo que el fin del capitalismo”. Frente a esta creencia, otra idea opuesta ha cobrado fuerza en los años que transcurren entre la crisis financiera de 2008 y la crisis sanitaria iniciada en 2020: la necesidad de reclamar un horizonte. El derecho de anhelar un porvenir del que habíamos sido desposeídos y que, en tanto que expectación, concentra un poderoso deseo de cambio y de concebir otros mundos, ahora tan posibles como cercanos. Así, la reflexión sobre el futuro se ha convertido en una potente caja de herramientas con un doble sentido. Por un lado, agrupa la imaginación del porvenir en tiempos pretéritos, esos retrofuturos que nos acercan a momentos de utopía irrealizados en la historia. Por otro, la idea de futuro concentra hoy novedosos usos especulativos y ficticios, que ocupan a numerosos artistas nacidos en los umbrales del nuevo milenio, y busca saturar el presente con narraciones múltiples de tiempos en potencia. Esa disyuntiva entre futuros pasados y futuros latentes caracteriza este programa audiovisual.

El ciclo está estructurado en cinco programas temáticos y un epílogo, con dos pases de cada uno. Reúne películas de distintos ámbitos, como el cine mudo histórico, el underground, las películas huérfanas o de archivo, el cine de autor o el reciente cine realizado por artistas, bajo la premisa única de que todas son cine en igualdad y sin jerarquías. Y lo son no solo por pertenecer al mismo medio, sino por su capacidad para representar en imágenes y relatos los deseos del subconsciente colectivo, antecediendo a la propia historia y dando forma al anhelo común de un tiempo nuevo, cualidad intrínseca del cine como arte desde su nacimiento.

Programa

Programa 1

Cosmismo: inmortalidad para todos

El primer programa del ciclo orbita en torno al cosmismo, el ecléctico pensamiento místico-científico surgido en Rusia entre finales del siglo XIX y el primer tercio del siglo XX, que defendía la erradicación de la muerte y la fusión vital con el cosmos, como entidad que desborda lo humano. Integran este primer bloque Aelita de Yákov Protazánov (1924), clásico soviético de ciencia ficción, y la trilogía cosmista del artista Anton Vidokle (2015-2017).

Yukak Protazánov, Aelita, película, 1924

Viernes 30 de abril, 2021 - 18:30 h / Edificio Nouvel, Auditorio 400

Sesión 1

Segundo pase: lunes 3 de mayo, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Yákov Protazánov. Aelita
Unión Soviética, 1924, b/n, muda, VO con intertítulos traducidos al español, archivo digital restaurado, 90’

Acompañamiento musical en directo de Abel Hernández (El Hijo), José Sánchez-Sanz y Mario Quiñones, en el primer pase

Gran éxito del cine soviético, considerada la primera película muda de ciencia ficción. Ofrece una sorprendente lectura feminista de la Revolución rusa. Con un guion inspirado en la novela homónima del cosmista Alexéi Tolstói y con una fastuosa escenografía constructivista de los artistas Aleksandra Ekster e Isaak Rabinovich, narra la vida marciana como espejo mejorado de la actividad en la Tierra, concretamente, de Moscú en los años de la Nueva Política Económica (NEP, 1922-1928). Una expedición soviética llega a Marte e inicia una revuelta contra los déspotas que subyugan a Aelita, la reina del planeta rojo. El resultado del levantamiento ofrece veladas críticas a las derivas autoritarias de la revolución.

Anton Vidokle, Immortality and Resurrection For All [Inmortalidad y resurrección para todos], película, 2017

Miércoles 5 de mayo, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Sesión 2

Segundo pase: jueves 6 de mayo, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Proyección especial de Immortality and Resurrection For All [Inmortalidad y resurrección para todos] en el Día Internacional de los Museos: lunes 17 de mayo, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Anton Vidokle. This Is Cosmos [Esto es el cosmos]
Líbano y Alemania, 2015, color, sonido, VO en ruso con subtítulos en español, archivo digital, 28’

Anton Vidokle. The Communist Revolution Was Caused By The Sun [La revolución comunista fue provocada por el sol]
Kazajistán y Estados Unidos, 2016, color, sonido, VO en ruso con subtítulos en español, archivo digital, 34’

Anton Vidokle. Immortality and Resurrection For All [Inmortalidad y resurrección para todos]
Rusia, 2017, color, sonido, VO en ruso con subtítulos en español, archivo digital, 34’

Con la presentación en vídeo de Anton Vidokle

¿Y si la revolución soviética no buscara colectivizar la propiedad, sino la vida? ¿Y si el objetivo último no fuese acabar con las clases sociales, sino con la muerte? Esta trilogía del artista Anton Vidokle propone un viaje especulativo por una de las ideologías más potentes sobre el futuro: el cosmismo. Una heterodoxa ideología rusa a caballo entre los siglos XIX y XX que postulaba la inmortalidad, no de manera simbólica, sino a través del avance de la ciencia y la fusión de la humanidad con el cosmos, o, dicho de otro modo, con otras vidas más amplias que el individuo, la sociedad o la nación. Fundado por el filósofo Nikolái F. Fiódorov (1827-1903), el cosmismo es el origen de muchas de las creencias místicas de las vanguardias artísticas, como la teosofía, pero también posee ramificaciones en el pensamiento poshumanista y naturista contemporáneo.

Programa 2

La ciudad como artefacto de futuro

Dos películas clásicas, que abordan las transformaciones de la ciudad, ofrecen sendas visiones contrapuestas de futuro. En Metropolis (1926), Fritz Lang desarrolla la ciudad como una fábrica total en una modernidad desquiciada. En Paris qui dort (1924), René Clair presenta una modernidad en pausa y la ciudad como un gran parque de juego.

Fritz Lang, Metrópolis, película, 1926

Viernes 7 de mayo, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Sesión 1

Segundo pase: viernes 14 de mayo, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Proyección especial en el Día Internacional de los Museos: domingo 16 de mayo, 2021 - 11:30 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Fritz Lang. Metropolis
Alemania, 1926, b/n, muda, VO con intertítulos en español, archivo digital restaurado, 152’

Película universal de la historia del cine que se articula, según el historiador Tom Gunning, en una poderosa alegoría del futuro como el triunfo total de la máquina. Año 2026, la ciudad-Estado de Metrópolis se divide entre los obreros explotados, que trabajan bajo tierra, y la élite económica e intelectual, que vive lujosamente y disfruta los jardines de la superficie. Los obreros intentan sublevarse, pero se lo impide María, una carismática figura que les habla de amor y armonía entre clases, en el intento de evitar una represión violenta. El jerarca de la ciudad ordena crear un robot con las facciones de María para conducir a los obreros a una rebelión infructuosa, si bien su hijo, comprometido con los trabajadores, también busca frustrar ese plan. Pese a este argumento no exento de paternalismos, la película muestra una de las recreaciones más totalitarias de la ciudad como máquina de trabajo que gobierna el tiempo, los cuerpos y los espacios.

René Clair, Paris qui dort [París durmiente], película, 1925

Sábado 8 de mayo, 2021 - 18:00 h / Edificio Nouvel, Auditorio 400

Sesión 2

Segundo pase: jueves 13 de mayo - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

René Clair. Paris qui dort [París durmiente]
Francia, 1925, b/n, muda, VO con intertítulos en español, archivo digital restaurado, 60’

Acompañamiento musical en directo de Abel Hernández (El Hijo), José Sánchez-Sanz y Mario Quiñones, en el primer pase

 Con la presentación de Irene Valle, historiadora del arte y especialista en las relaciones entre arte, ciudad y periferia en el siglo XX, en el segundo pase

El vigilante de la Torre Eiffel observa, desde las alturas, un París paralizado. Junto con un grupo de viajantes circunstanciales, investigan la causa de esa extraña suspensión del tiempo. La ciudad va transformándose, para ellos, en un espontáneo patio de recreo, en el que experimentar nuevos usos y formas de habitar. René Clair propone una fábula al hilo de las ideas dadaístas y surrealistas en torno a la ciudad. A la vez, formula una aguda crítica al famoso género de las sinfonías urbanas —la ciudad como máquina total— de la década de 1920. Y de paso, nos propone un anhelo de futuro, el de recuperar el tiempo cuando todo se para.

Programa 3

Utopías-distopías capitalistas

Dos sesiones sobre las promesas capitalistas que anunciaban “un mundo mejor” durante el amplio período de la Guerra Fría. En la primera sesión, el archivero Rick Prelinger selecciona una serie de películas huérfanas, cine abandonado por su productor o autor, producidas por las grandes corporaciones norteamericanas antes de la generalización de la televisión, que hablan de la supuesta felicidad que iba a proporcionar el creciente capitalismo. Por el contrario, en la segunda sesión, Peter Watkins aborda Estados Unidos, durante las décadas de la contracultura, como un gigantesco campo de concentración.

Carl Urbano y John Sutherland. Destination Earth. Película, 1956

Jueves 20 de mayo, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Sesión 1. Utopías capitalistas. Carta blanca a Rick Prelinger

Segundo pase: sábado 22 de mayo, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Anónimo. Let’s Go America! America Yesterday, Today and Tomorrow [¡Vamos América! América ayer, hoy y mañana]
Producida por Audio Productions para National Association of Manufacturers
Estados Unidos, 1936, b/n, sonido, VO en inglés con subtítulos en español, archivo digital, 8’

Dr. Everette Peterson. Home Movies: New York City Streets [Película doméstica: las calles de Nueva York]
Estados Unidos, 1939, color, muda, archivo digital, 2’

Dr. Everette Peterson. Home Movies: New York World’s Fair [Película doméstica: la Exposición Universal de Nueva York]
Estados Unidos, 1939, color, muda, archivo digital, 2’

Anónimo. To New Horizons [Hacia nuevos horizontes]
Producida por Jam Handy Organization para General Motors
Estados Unidos, 1940, color, sonido, VO en inglés con subtítulos en español, archivo digital, 10’

Anónimo. Leave It to Roll-Oh [Déjalo que ruede-eh]
Producida por Jam Handy Organization para Chevrolet Motor Company
Estados Unidos, 1940, b/n, sonido, VO en inglés con subtítulos en español, archivo digital, 4’

Anónimo. Long Distance [Larga distancia]
Producida por Audio Productions para Bell System
Estados Unidos, 1941, b/n, sonido, VO en inglés con subtítulos en español, archivo digital, 4’

Anónimo. Give Yourself the Green Light [Date la luz verde]
Producida por Jam Handy Organization para General Motors Public Relations
Estados Unidos, 1954, color, sonido, VO en inglés con subtítulos en español, archivo digital, 5’

Anónimo. The Man in the Doorway [El hombre en el pasillo]
Producida por MPO Productions para American Cyanamid
Estados Unidos, 1957, color, sonido, VO en inglés con subtítulos en español, archivo digital, 2’

Carl Urbano. Destination Earth [Destino la Tierra]
Producida por John Sutherland Productions y Film Counselors for American Petroleum Institute
Estados Unidos, 1956, color, sonido, VO en inglés con subtítulos en español, archivo digital, 13’

Anónimo. Out of This World [Fuera de este mundo]
Producida por Jam Handy Organization para General Motors
Estados Unidos, 1964, color, sonido, VO en inglés con subtítulos en español, archivo digital, 5’

Lee Madden. 1999 AD [1999 d. C]
Producida por Tom Thomas Productions para Philco-Ford Corporation
Estados Unidos, 1967, color, sonido, VO en inglés con subtítulos en español, archivo digital, 19’

Anónimo. The Your Name Here Story [La historia de tu nombre aquí]
Producida por Calvin Communications
Estados Unidos, 1964, color, sonido, VO en inglés con subtítulos en español, archivo digital, 9’

El Archivo Prelinger reúne el mayor número de películas efímeras y huérfanas sobre la vida social y cultural de Estados Unidos a lo largo del siglo XX. Películas de propaganda, educativas, documentales, amateur y audiovisuales de los orígenes de la publicidad constituyen un monumental paisaje colectivo de la historia del sueño americano. En esta sesión se da carta blanca a su fundador, Rick Prelinger, quien ha seleccionado 12 cintas que abordan la felicidad y las promesas de futuro realizadas entre 1939 y 1967, años previos a la generalización de la televisión. Años, también, en que las corporaciones se esforzaban en presentar el capitalismo y sus valores como un sistema perfecto, libre de conflictos.

Peter Watkins, Punishment Park, película, 1970

Viernes 21 de mayo, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Sesión 2

Segundo pase: lunes 24 de mayo, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Peter Watkins. Punishment Park [El parque del castigo]
Estados Unidos, 1970, color, sonido, VO en inglés con subtítulos en español, archivo digital, 90’

Película sobre el fascismo establecido dentro de una aparente democracia, filmada según el estilo documental de Peter Watkins, es decir, rodada como si fuese un documental, pero tratándose de una ficción. En 1970, Estados Unidos está contra las cuerdas en el sudeste asiático; se dirime la supervivencia del capitalismo frente al comunismo global. Nixon decreta el estado de alarma y establece unos juicios rápidos en los que los activistas detenidos son juzgados por respetables miembros de la comunidad. Al término del juicio, se les ofrece sufrir condena o participar en un siniestro juego de supervivencia en el Punishment Park. Magistral distopía de historias alternativas que acabaría con uno de los actores en la cárcel y con Peter Watkins en el exilio.

Programa 4

Afrofuturismo

El afrofuturismo es un movimiento cultural que surge en la diáspora africana durante la segunda mitad del siglo XX. A través de una fascinante síntesis de ciencia ficción, tecnología, realismo mágico, cultura popular y cosmologías no occidentales, se pregunta por el lugar que ocupa la población negra en la historia y su condición en el presente. El ciudadano negro, argumenta este movimiento, es el alienígena, un ser otro sin derechos en este mundo. Este programa comprende cuatro películas esenciales del cine afrofuturista y culmina con un concierto que da cuenta de la vitalidad del movimiento.

Lizzie Borden, Born In Flames [Nacidas en llamas], película, 1983

Miércoles 2 de junio, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Sesión 1

Segundo pase: miércoles 9 de junio, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Lizzie Borden. Born In Flames [Nacidas en llamas]
Estados Unidos, 1983, color, sonido, VO en inglés con subtítulos en español, archivo digital restaurado, 79’ 

Con la presentación en vídeo de Lizzie Borden

Distopía punk, feminista y afrofuturista, en la que Estados Unidos ha rechazado el capitalismo feroz y se ha refundado como una república “socialista-humanista”. Sin embargo, las mujeres son igualmente discriminadas por el Estado, que niega la igualdad; por sus parejas, quienes las obligan a realizar trabajos domésticos; y por los hombres, que las hostigan sexualmente. Una mujer negra, es decir, doblemente discriminada, decide fundar una milicia para proteger a otras mujeres que rápidamente pasará a convertirse en una guerrilla contra el Estado. La película cuenta con la participación de numerosos artistas: Gary Hill y Peter Hutton como cámaras, John Coplans y Kathryn Bigelow como actores, y la excepcional música de The Red Krayola y Art & Language.

John Coney, Space Is The Place [El espacio es el lugar], película, 1974

Jueves 3 de junio, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Sesión 2

Segundo pase: jueves 10 de junio, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

John Coney. Space Is The Place [El espacio es el lugar]
Estados Unidos, 1974, color, sonido, VO en inglés con subtítulos en español, archivo digital restaurado, 82’ Guion de Sun Ra y Joshua Smith

 

Delirio cósmico que desarrolla las visiones futuristas del irrepetible Sun Ra (1914-1993), ensayista, poeta, filósofo pop y, sobre todo, virtuoso de la fusión entre el free jazz y la psicodelia experimental. Sun Ra, nacido Herman Sonny Blount, elabora cómo el futuro de la raza negra en la convulsa y racista sociedad norteamericana de 1970 no pasa por la integración, sino por la emancipación en un planeta del espacio exterior. Con lecturas cabalísticas, herméticas y fascinación esotérica por el antiguo Egipto, fantasea con que la raza negra tiene un origen y un destino manifiesto en el espacio exterior. La música es la tecnología secreta que permitirá el viaje interplanetario. En la película, Sun Ra y su Arkestra escapan de la NASA y de los perniciosos arquetipos afroamericanos, representados por el proxeneta Overseer, para fundar una nueva sociedad negra en el cosmos.

John Akomfrah, The Last Angel of History [El último ángel de la historia], película, 1995

Viernes 4 de junio, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Sesión 3

Segundo pase: viernes 11 de junio, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Kibwe Tavares. Robots of Brixton [Robots de Brixton]
Reino Unido, 2011, color, sonido, VO en inglés con subtítulos en español, archivo digital, 5’35’’

John Akomfrah. The Last Angel of History [El último ángel de la historia]
Reino Unido, 1995, color, sonido, VO en inglés con subtítulos en español, archivo digital restaurado, 45’

 

Robots de Brixton es una animación que mezcla la vida en una megalópolis cibernética con el recuerdo de la violencia policial en los disturbios raciales del pasado, como si el anhelo de futuro no pudiera escapar del fantasma de la violencia. El corto encuentra inspiración en el trabajo histórico del Black Audio Film Collective, colectivo británico interdisciplinar activo entre 1982 y 1997. El último ángel de la historia es un ensayo fílmico de John Akromfrah, miembro del colectivo, sobre la aspiración e imaginación de futuro en las letras, en las tecnologías sonoras y en las performances de músicos contemporáneos de la diáspora africana. El hip-hop de George Clinton o Funkadelic, el jazz psicodélico de Sun Ra, el dub de Lee Perry o el tecno de Derrick May o Juan Atkins son decodificados como músicas imaginarias que contienen las semillas de futuros latentes.

Siwo (Simonal Bie), fotografía de Pedro Vidal, 2021

Viernes 11 de junio, 2021 - 19:00 h / Edificio Sabatini, Jardín

Sesión 4

Concierto de Siwo
Siwo es el alter ego de Simonal Bie, productor, vocalista, beat-maker y bailarín de origen mozambiqueño afincado en Barcelona. Considerado uno de los pioneros en impulsar la escena afrobeat a nivel nacional, Simonal explora su identidad como músico de la diáspora africana en Siwo, su apuesta más personal. Él mismo describe su sonido como “electrónica afrofuturista con pinceladas de hip-hop, punk, soul y afrobeat”. Sesión de DJ con intervención vocal preparada en exclusiva para este programa.

Con el patrocinio de: Estrella Damm

Programa 5

Otras vidas: ciencia ficción y conciencia

La ciencia ficción como narración existencialista para interrogar qué tipo de vida vivimos, cuál es su propósito y si es posible la existencia de vidas alternativas mediante la conexión con inteligencias no humanas. El programa incluye la película que define este paradigma, Stalker (1979) de Andréi Tarkovski, así como In Search of UIQ [Buscando a UIQ, 2013] de Silvia Maglioni y Graeme Thomson —una tentativa a partir de un filme nunca realizado del filósofo y psiquiatra Félix Guattari— y, por último, A mordida [La picadura, 2019] de Pedro Neves Marques, que gira en torno a un mundo pandémico y lo que denomina como “la dictadura de la biotecnología”.

Silvia Magloni y Graeme Thomson, In Search of UIQ [Buscando a UIQ], película, 2013

Jueves 17 de junio, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Sesión 2

Segundo pase: jueves 24 de junio, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Silvia Maglioni y Graeme Thomson. In Search of UIQ [Buscando a UIQ]
Francia, 2013, color, sonido, VO en francés con subtítulos en español, archivo digital, 72’
Con la presentación en vídeo de Silvia Maglioni y Graeme Thomson

 

Portentoso ejemplo de una película como sucesión de acontecimientos potenciales, Buscando a UIQ recorre distintas estancias en la sorprendente relación del psiquiatra y filósofo Félix Guattari (1930-1992) con el cine. Guattari, quien concebía el cine como una poderosa máquina de subjetivación, realizaría el guion de una película de ciencia ficción y, junto a Robert Kramer como director, intentaría infructuosamente llevarla al cine. El proyecto recoge la influencia de Tarkovski en el enfoque existencialista del género, pero lo conduce a nuevos territorios. La película parte de lo infinitesimal, los infraquarks como formas de vida otras e imperceptibles que existen en nuestro propio espacio. Uno de estos infraquarks, UIQ, se instala en el cuerpo de un científico, como un ser vírico que no ve, pero que le habita y transforma.

 

Pedro Neves Marques, A mordida [La picadura], película, 2019

Viernes 18 de junio, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Sesión 3

Segundo pase: viernes 25 de junio, 2021- 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Pedro Neves Marques. A mordida [La picadura]
Portugal y Brasil, 2019, color, sonido, VO en portugués con subtítulos en español, archivo digital, 26’

Pedro Neves Marques. Semente exterminadora [Semilla exterminadora] 
Portugal y Brasil, 2017, color, sonido, VO en portugués con subtítulos en español, archivo digital, 28’

Con la presentación en vídeo de Pedro Neves Marques

Las ficciones fílmicas del artista Pedro Neves Marques exploran los efectos catastróficos de nuestro modo de vida a una escala íntima y subjetiva. Ambientadas en un futuro extrañamente cercano y familiar, proponen un mundo dominado por la ingeniería genética, el extractivismo o los monocultivos transgénicos, en contraste con los protagonistas de sus filmes, cuyas identidades resisten a la norma binarista. En La picadura, un laboratorio investiga cómo frenar genéticamente una epidemia transmitida por mosquitos, mientras tres personas se refugian en el poliamor. En Semilla exterminadora, la androide YWY toma conciencia de su infertilidad en un paisaje entre monocultivos de soja y plataformas petrolíferas.

Mike Kuchar, Sins of the Fleshapoids [Los pecados de los carnoides], película, 1965

Miércoles 30 de junio - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Epílogo. Una comedia sobre amor, máquinas y automatización

Segundo pase: viernes 2 de julio, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Cierre del ciclo con una comedia del underground norteamericano sobre la automatización del trabajo y las máquinas deseantes.

Mike Kuchar. Sins of the Fleshapoids [Los pecados de los carnoides]
Estados Unidos, 1965, color, sonido, VO en inglés con subtítulos en español, archivo digital restaurado, 43’

Un millón de años en el futuro. Después de la guerra mundial nuclear, media humanidad se ha extinguido. Ya no hay conflictos ni armas, y los humanos que quedan viven en la indulgencia y la molicie extrema servidos por las máquinas. Estas son robots de carne sintética, que replican a los humanos, de ahí su nombre (traducible como carnoides) pero son incapaces de tener sentimientos. Hastiados de la servidumbre, las máquinas inician una revolución basada en el aprendizaje del deseo y del amor. Una comedia melodramática sobre máquinas deseantes, considerada una de las obras maestras del underground norteamericano de la década de 1960 y con una enorme influencia en artistas como Andy Warhol o cineastas como John Waters.

  • Entrada: 

    Gratuita hasta completar aforo, previa retirada de entrada en la web del Museo, a partir de las 10:00 h del último día hábil antes de la actividad. Máximo 2 por persona. Apertura de puertas media hora antes de la proyección

    Comisariado:

    Chema González

    Organiza:

    Museo Reina Sofía

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