Actividades

Esta doble performance sirve como preámbulo a la exposición retrospectiva de Hito Steyerl en el Museo. La estudiada desaparición de la imagen en las modernas tecnologías de control es desarrollada en una conferencia performativa por la artista, seguida de una exploración del nuevo paisaje acústico de la guerra, entre ruidos bélicos y sonidos de dispositivos consumo, a cargo de Kassem Mosse. Ambas se plantean como homenaje póstumo a Harun Farocki.

Artissimo es un montaje de fragmentos fílmicos sobre la futilidad y los estereotipos del artista. La película une retales de cine popular que muestran al artista como un ser caprichoso, colérico y aquejado de melancolía, un hijo de Saturno. Con ello, resume todos los tópicos que aún pueblan la imaginación colectiva, y muestra que el arte es, como diría el propio Pazos, aquel imprescindible elogio de lo inútil.

Dominique Gonzalez-Foerster parte de la literatura para abordar la relación entre ficción y realidad, así como del teatro para yuxtaponer un imaginario narrativo al presente. En esta sesión de Intervalos se proyectan tres de sus películas, entre las que destaca Otello 1887, una ópera fílmica rodada en el Palacio de Cristal y coproducida por el Museo.

Este ciclo presenta una panorámica del reciente cine de autor en América Latina, a la vez que introduce un nuevo espacio de proyección en el Museo, transformando las terrazas en un novedoso cine al aire libre. Juegos de escena plantea una interpretación del último cine latinoamericano, apenas visto en Europa, en la que lo teatral es el elemento clave para abordar lo real.

Un debate atraviesa todo un siglo de imágenes de cuerpos en movimiento: aquel que se refiere a la correspondencia entre la actuación en directo (en el escenario, en la galería o en el museo) de esos cuerpos y su filmación. A partir de esta cuestión se trata de dilucidar si el registro audiovisual de prácticas que tienen al cuerpo como elemento central -la danza contemporánea y la performance artística- recoge con “fidelidad” su supuesta verdad inherente.

En colaboración con FILMADRID, un nuevo evento dedicado al cine contemporáneo de autor, el Museo Reina Sofía y la Filmoteca Española acogen la actividad Lav Diaz. Evolución de un cineasta filipino, centrada en uno de los realizadores contemporáneos que mejor ha experimentado con el metraje como representación de la historia popular y trágica de una colectividad.

Intervalos es un programa de proyecciones que muestra trabajos audiovisuales contemporáneos, producciones propias del Museo u obras que, entre lo performativo y lo cinemático, manifiestan los nuevos rumbos de la imagen en movimiento. En esta nueva edición, Eric Baudelaire presenta su última película, Letters to Max.

Relacionando la cultura saharaui con un marco social y cultural más amplio, este programa de actividades aspira a convertirse en tuiza, en un espacio donde reimaginar otra geografía posible, en la que sus centros no sean las metrópolis del poder financiero sino las narraciones y relatos de una periferia que perviven en manifestaciones de identidad y contaminación cultural.

Este ciclo explora cómo se ha concebido, representado y cuestionado el museo en diferentes poéticas fílmicas. La filmación de la institución museo implicar hablar de cómo el arte es exhibido y cuál es su dispositivo de interpretación, pero también cómo se insertan y reactivan otros tiempos del pasado en el presente, articulando una suma de temporalidades, fuera y dentro del presente, específica del museo y sus narraciones.

Este ciclo presenta una selección de recientes piezas cinematográficas internacionales que conjuran los fantasmas de nuestro imaginario cultural colectivo. Algunos de estos fantasmas se erigen desde injusticias pasadas y traumas políticos, mientras que otros son apariciones que revelan catástrofes aún por llegar o que hablan de las promesas incumplidas de un pasado que siguen existiendo, quizás latentes, en nuestro presente.

Este ciclo continúa una serie de programas que han tratado el cambio de estructuras, narraciones y modos de hacer del cine reciente en España. Con tres ediciones hasta la fecha, la serie recoge la aparición del llamado “otro cine”. Este año presenta cómo el "otro cine" inventa su propia genealogía.

Este programa presenta un pop enfrentado al pop, que reconoce la seducción de la cultura de consumo pero que mantiene a la vez una distancia crítica respecto a la misma. En relación con la exposición dedicada a Richard Hamilton, el ciclo introduce lo popular como subversión e investigación de los rasgos de la nueva sociedad surgida 1950 y 1970. 

Activo en el Reino Unido entre 1982 y 1997, el Black Audio Film Collective significó un intento radical de transformar la educación, las instituciones y la representación de la identidad negra en el cine independiente. Su trabajo concentra un complejo palimpsesto de voces que, situado entre las primeras políticas de representación, propone un lenguaje de la diáspora.

Estreno de la reciente película documental sobre Hélio Oiticica. Planteada como un archivo vivo con numerosos documentos inéditos, desde los pensamientos del artista como guía narrativa hasta fragmentos audiovisuales desconocidos, el film busca articular un relato complejo y múltiple del artista y de la vanguardia brasileña de posguerra.

Dentro del programa Intervalos, se incluye la proyección del último trabajo de Yervant Gianikian y Angela Ricci Lucchi, con la intervención de ambos cineastas en un encuentro. Entre las prácticas fílmicas basadas en el metraje encontrado, el documental y el cine experimental, Pays barbare presenta un complejo relato sobre la memoria histórica, el fascismo y el colonialismo.

El cine es el medio privilegiado en la construcción narrativa de la biografía. Pero, frente al narcisismo de las mitologías del yo, este ciclo muestra la vida en su forma temporal, frágil y precaria, presentando un programa que abarca desde el neorrealismo hasta el reciente cine poscolonial.

Estreno de la última película del cineasta, coincidiendo con la exposición y el ciclo dedicados a su trabajo. Filmada en una única toma, Ana Arabia muestra la coexistencia utópica de una comunidad de judíos y musulmanes mientras resisten a la especulación urbanística.

Con una filmografía que es teatro paródico y documento realista por igual, Kaurismäki ha ensayado un cine basado en las paradojas y espacios de fuga de la contemporaneidad. Esta primera retrospectiva en un museo de arte moderno se complementa con una clase magistral y carta blanca del cineasta.

El cine de Amos Gitai es el de un cineasta-arquitecto, pero también el de un cineasta-biógrafo. En relación con la exposición Las biografías de Amos Gitai, este ciclo incluye más de 30 años de actividad y muestra los estratos históricos sobre los que se asienta el conflicto entre Israel y Palestina.  

Anarchivo sida es un proceso de producción de un “contra-archivo” sobre políticas del sida en las prácticas artísticas en España y América Latina.

En esta conferencia performativa, planteada en relación a Mínima resistencia. Entre el tardomodernismo y la globalización: prácticas artísticas durante las décadas de los 80 y 90, Mullican repasa y comenta algunas de sus performances bajo hipnosis, en las que recrea, al igual que en su obra visual, la lógica de un mundo inestable e irracional.

Este ciclo audiovisual busca presentar los años 80 como una década decididamente bipolar caracterizada por una serie de tensiones irresueltas.

Márgenes, periferias u otro son algunas de las denominaciones que ha recibido un cine fuera de la industria realizado en años recientes en España. Más allá de esta condición de existencia, se dan una serie de criterios que contribuyen a hablar de una identidad de conjunto.

Historias sin final reflexiona sobre distintas maneras de contar a partir de la muestra de una serie de recientes trabajos audiovisuales realizados en España. Este ciclo aborda el retorno a una narrativa que, formulada desde la alegoría, las historias apropiadas y el renovado rol del espectador, desborda el espacio del propio relato.

Noticias de la Antigüedad ideológica: Marx/Eisenstein/El capital (2008) es una de las películas más complejas y monumentales de la historia del cine reciente. A lo largo de casi nueve horas de duración, su director, Alexander Kluge (Alemania, 1932), propone una reconstrucción del proyecto inacabado de Eisenstein de rodar El capital de Karl Marx tras un febril encuentro con James Joyce en 1927.

Este ciclo audiovisual plantea un recorrido conjunto por la producción en cine, vídeo y televisión de Salvador Dalí, culminando la exposición Dalí. Todas las sugestiones poéticas y todas las posibilidades plásticas.

Este ciclo de cine de verano está dedicado a explorar una de las cinematografías contemporáneas más interesantes y, sin embargo, con menor distribución en Europa. A medio camino entre nuevas voces autorales y las poéticas del documental, el ciclo muestra cómo el cine se enfrenta a una situación de presente provisional e imagina el futuro desde la incertidumbre. 

Intervalo es el sistema de relaciones que, ideado por Dziga Vertov en 1919, otorgaba sentido al cine a partir del montaje de fragmentos. Intervalos es un nuevo programa de proyecciones de una o dos sesiones que muestra trabajos audiovisuales contemporáneos, producciones propias del Museo u obras que, entre lo performativo y lo cinemático, manifiestan los nuevos rumbos de la imagen en movimiento.

Eduardo Coutinho (São Paulo, 1933) es un nombre esencial en el documental latinoamericano. Su trabajo se caracteriza por un sesgo político, pero no panfletario, a la hora de abordar con una sensibilidad ajena al melodrama la vida cotidiana y la subjetividad de las mayorías marginales. Esta retrospectiva, la más amplia hasta la fecha, presenta un trabajo que va desde el contexto del Cinema Novo hasta el análisis de la ficción en el cine contemporáneo.

El roce de los cuerpos es un ciclo de cine y vídeo que presenta un panorama de heterogéneas manifestaciones artísticas y políticas de los años ochenta, las cuales surgen, conviven y persisten simultáneamente en los años de represión en América Latina. Gran parte de estos vídeos y películas, en su mayoría inéditos o no exhibidos en público fuera de sus contextos de origen, dan cuenta de la emergencia de nuevos sujetos políticos y formas de participación subcultural. El programa también incluye propuestas fílmicas recientes que retornan sobre la movida de los años ochenta en este contexto para ofrecer otras lecturas o activar una memoria todavía pulsante.

Este ciclo ofrece una visión panorámica de cómo el audiovisual realizado en España y producido en los márgenes de la industria está respondiendo a la situación de cambio y crisis estructural contemporánea, pero también recoge cómo la imagen documental es uno de los ámbitos más destacados para la experimentación formal y el ensayo en nuevos sistemas de producción y distribución.

Flores azules en un paisaje catastrófico, cita de Walter Benjamin sobre la experiencia del cine en los ’30, busca explorar distintas posiciones fílmicas en un amplio panorama audiovisual que marca el comienzo del proyecto político del documental, pero también la vinculación entre vanguardia y cultura de masas y el nacimiento de la industria cinematográfica bajo el culto a la distracción.

La presencia del cine en las sucesivas relecturas de la Colección del Museo Reina Sofía alude a la crisis en la distinción de jerarquías y narraciones artísticas, pero también a la idea de que una colección supone una trama de historias, memorias y tiempos inseparables de la práctica fílmica.

¡Para saber hay que imaginarse! es un programa audiovisual resultado de una de las Residencias de Investigación del Museo Reina Sofía del el curso 2011-2012 denominada Subtramas (Plataforma de investigación y de co-aprendizaje sobre las prácticas de producción audiovisual colaborativas), realizada por Diego del Pozo, Montse Romaní y Virginia Villaplana.

All About Love, título prestado de la película del mismo nombre, realizada por la cineasta china Ann Hui (Anshan, 1947), resume la temática de sus películas, que gira en torno a las relaciones sociales y personales, con una fuerte carga afectiva y emocional.

¿Cómo dar al cine feminista su propia voz contra las convenciones del cine clásico y cómo mantener el carácter subalterno de tal voz?

Este ciclo presenta una serie de vídeos y performances que surgen de las prácticas feministas, queer/cuir y transmarikabollo contemporáneas situadas en la tradición de la vídeo-guerrilla: ejercicios de apropiación de los medios de comunicación ligeros como medios de contra-información, pero también como técnicas de producción de género y de sexualidad disidentes.

A finales de 1950 Jorge Oteiza concluye sus investigaciones en el campo de la escultura, pero lejos de agotar sus preocupaciones estéticas éstas continúan en otro ámbito inexplorado hasta ahora, el del cine.

Séptima edición del festival internacional de cine organizado por El ojo cojo, ONG dedicada a la promoción de la integración y el diálogo intercultural a través de las diferentes disciplinas artísticas.