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Un momento apropiado en el tiempo para comenzar a abordar la historia y desarrollo del vídeo como herramienta artística es el período de finales de los años 60 cuando este medio contribuyó a la transformación y ampliación de la propia definición de arte. Nam June Paik y Wolf Vostell son las fuerzas fundacionales que se hallan detrás de la emergencia de este nuevo medio.

Klimt (2006) recorre la vida y la creación artística del pintor vienés y su relación con las mujeres, su rechazo hacia las convenciones morales y artísticas de la época y sus ideales vitales. 

En la década de los sesenta los artistas se rebelaron contra la pintura y el formalismo imperante valorando aspectos como la dimensión teatral de la obra de arte y la relación entre el público y el objeto: instalaciones en vez de pinturas, ambientes en vez de esculturas, performances en vez de imágenes. 

Movimiento Continuo. Vídeo y cine experimental alemán (1994-2004) pone de manifiesto la importancia del cine experimental en el desarrollo del cine como forma artística independiente y en la evolución del lenguaje y la estética cinematográficos, a pesar del lugar marginal que este tipo de cine ha ocupado históricamente respecto de las estructuras comerciales del mercado audiovisual. 

Marine Hugonnier (París, 1969), videoartista cuyo trabajo explora la relación entre el paisaje y la historia, presenta The Three Continents, trilogía fílmica constituida por Ariana (2001), The Last Tour (2004) y Travelling Amazonia (2005). 

La recepción de la obra de Samuel Beckett (Dublín, 1906; París, 1989) en España ha estado condicionada por los lugares comunes de la literatura existencialista o el teatro del absurdo. 

La película Muxima (2005) surge del amor que el artista Alfredo Jaar (Santiago de Chile, 1956) siente por la música africana contemporánea. 

Locuras contemporáneas pretende despejar la frontera difusa que separa la realidad de la percepción y la norma de la excepción, dando cabida a propuestas audiovisuales que presentan las zonas más oscuras del orden social y de la mente humana desde el terreno de la no ficción o el documental de creación en España, poniendo de manifiesto la invisibilidad de los límites establecidos por los discursos sancionadores de las ordenanzas civiles, la convención médica o la política.

El amor que Susan Sontag (Nueva York, 1933-2004) sentía por el cine (y que demostró con su participación en comités de selección de películas para festivales y la programación de ciclos en cines de todo el mundo, así como con la realización de sus propias películas) se manifiesta, sobre todo, en la infatigable defensa de cineastas como Jean-Luc Godard (París, 1930), Chris Marker, Ingmar Bergman y Jack Smith, por nombrar solo algunos, cuando su trabajo necesitaba alcanzar un público más apreciativo y amplio e incluso, en el caso de Smith, protección legal. Este ciclo rinde tributo al legado de Sontag a la cultura cinematográfica, haciendo dialogar películas y documentales de y sobre Susan Sontag con los trabajos de algunos de estos cineastas.

Finlandia vive un momento excepcional en lo que respecta a la producción audiovisual, tanto en la calidad, como a la diversidad y la distribución.

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dedica una retrospectiva a la obra de Peggy Ahwesh (Pittsburgh, 1954), una de las cineastas más rompedoras e irreverentes del cine underground estadounidense. 

Vasco Araújo (Lisboa, 1975), artista que se sirve de la instalación, el vídeo y la fotografía para reflexionar sobre la identidad sexual, las estrategias de representación y la realidad, presenta en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía las películas Recital (2002), Hipólito (2003), The Girl of the Golden West (2004) y Far de Donna (2005).

Con las obras de los años 80 y 90 el Museo Reina Sofía completa su colección del siglo XX. Por este motivo queremos ofrecer al espectador una trayectoria por las diferentes formas de mirar en el arte contemporáneo a lo largo de la segunda mitad del siglo XX.

Valérie Mréjen, nacida en París en 1969, es escritora, artista plástica, fotógrafa, videoartista y realizadora de cortometrajes. Mréjen utiliza cada uno de estos medios para explorar el lenguaje, la infancia y sus memorias. 

Pero si sólo estaba actuando es un ciclo de proyecciones monocanal que explora las conexiones entre la actuación (en el sentido de interpretación) y el activismo desde la óptica del humor y la ironía. 

Unseen Cinema: primer cine de vanguardia americano 1893-1941 es la primera retrospectiva exhaustiva de cine estadounidense de vanguardia anterior a la década de los cuarenta. 

Cine y casi cine 2005 propone 26 piezas realizadas en su gran mayoría entre 2004 y 2005 por artistas plásticos o cineastas, españoles e internacionales, conocidos o desconocidos, incluyendo el estreno en España de la película Me and You and Everyone We Know (2005), de Miranda July (Vermont, 1974), artista norteamericana reconocida por sus performances multimedia.

ORIENTación. Cine y performance germano-turco es un proyecto, desarrollado en el contexto de la eventual adhesión de Turquía a la Unión Europea, que se propone transmitir la idea del gran desafío que significa para los artistas afectados el diálogo entre dos culturas tan distintas. 

El ciclo Sesiones animadas, complemento de la exposición que lleva el mismo título, ofrece un breve panorama de la animación actual a través de ocho programas de vídeo que recogen la trayectoria en este ámbito de artistas como Manu Arregui (Santander, 1970), Feng Mengbo (Pekín, 1966), Liane Lang (Múnich, 1973) o Jordi Moragues (Barcelona, 1970).

We Are the World es un ciclo de proyecciones que agrupa trabajos de jóvenes artistas cuyo nexo común consiste en que proceden de realidades multiculturales, multiétnicas y multinacionales y ninguno de ellos vive en sus países nativos más que una pequeña parte de su tiempo. 

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ha seleccionado nueve títulos de cine contemporáneo con los que ofrece una programación estival alternativa a la de los circuitos más comerciales. 

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta un ciclo audiovisual sobre las relaciones entre vídeo y música de la mano de Bob Nickas, pionero del videoclip experimental en los comienzos de la MTV durante la década de los ochenta. 

El trabajo de Javier Viver (Madrid, 1971) contempla una diversidad de soportes en los que intervienen la escultura, la fotografía y el vídeo. 

Desde sus comienzos, la televisión británica ha constituido un referente del diálogo creativo entre el arte contemporáneo y la televisión. Ya en 1938, el artista y crítico John Piper aparecía en un estudio para hablar sobre arte moderno. Actualmente la emisión y las modalidades de recepción se han descentralizado y fragmentado. 

El futuro más acá es un ciclo de cine mexicano que rescata y documenta la filmografía mexicana que entre 1945 y 1980 trató los temas de la ciencia ficción desde una óptica muy distinta al discurso estadounidense del género.

Cárcel de amor. Relatos culturales sobre la violencia de género es un proyecto interdisciplinar que plantea la posibilidad de representar artística y culturalmente un conjunto complejo de aspectos alrededor del tema de la violencia doméstica / de género. 

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ofrece una retrospectiva del trabajo de Chip Lord (Cleveland, 1944), pionero de la videocreación en Estados Unidos y cofundador del colectivo de arte y arquitectura Ant Farm, interesado en cartografiar la psique americana de los cuarenta y cincuenta sin perder de vista el acelerado cambio tecnológico del periodo de posguerra. 

La obra de Breda Beban (Serbia) –nacida en la antigua Yugoslavia y afincada en Londres desde 1991– se centra en la fotografía, el cine y el vídeo. Sus películas son reportajes románticos, a medio camino entre ficción y documental, sobre la autenticidad, la intimidad y la vulnerabilidad que se alojan en los márgenes de los grandes relatos sobre la cultura, la geopolítica y las cuestiones de género.

La obra de David Lamelas (Buenos Aires, 1946) tiene la particularidad de aunar un objetivismo formal con la plasmación de la experiencia subjetiva del artista, marcada por el periplo vital a través de diversas metrópolis como Los Ángeles, Londres, París o Berlín. Este ciclo, estructurado en tres programas, ofrece un recorrido por esas ciudades que atraviesan su obra en distintos momentos vitales entre el alejamiento y el regreso a Buenos Aires.

Este año, Cine y casi cine propone 33 piezas realizadas en su gran mayoría entre 2002 y 2004 por artistas plásticos o cineastas españoles e internacionales.

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ofrece una retrospectiva de la obra de Stan Brakhage (Kansas City, 1933; Victoria, 2003), pionero del cine experimental y de vanguardia en la Costa Oeste de Estados Unidos cuyo trabajo revela una mirada siempre atenta a las posibilidades del cine, más allá de la capacidad del ojo de la cámara, para captar imágenes. 

Este ciclo está dedicado al trabajo audiovisual realizado por artistas que vivieron de cerca el 11-S y que documentaron el antes y el después del ataque al World Trade Center de Nueva York el martes 11 de septiembre de 2001, al que medio mundo asistió frente a la pantalla de sus televisores. 

Zona de mestizaje. Cine y vídeo de artistas belgas es un ciclo dedicado a la escena de vídeo y cine artístico belga, un espacio heterogéneo en el que se dan cita los más diversos planteamientos, formas y estrategias. 

Describiendo el amor (en 7 fragmentos) reúne una veintena de videos de artistas y siete películas que, desde diferentes momentos y contextos, han reflexionado sobre el amor y, en este ciclo, se vinculan a siete nociones extraídas del libro de Roland Barthes (Cherburgo, 1915; París, 1980), Fragments d’un discourse amoureux. 

Este ciclo está dedicado a la obra de la artista, fotógrafa y directora Ulrike Ottinger (Konstanz, 1942), una de las figuras más emblemáticas del Nuevo Cine Alemán, paradójicamente obviada por las historias oficiales. 

Manuel Olveira (Puerto del Son, 1964), director de Hangar, habla del proyecto Procesos abiertos, surgido con el objetivo de hacer visibles los procesos de producción del arte contemporáneo a través de una serie de actividades, un centro de documentación y un blog. 

Valie Export (Linz, 1940) constituye, desde la década de los setenta, un referente del arte conceptual y feminista en la reflexión sobre la identidad, el uso del cuerpo y la sexualidad y su relación con los medios de comunicación. 

Originariamente, hacker es una palabra que designa a alguien que hace muebles con un hacha, aunque, en la sociedad cibernética, ha adquirido múltiples significados relacionados con el mundo de la inteligencia artificial y sus usos en la red, desde la acepción positiva referida a la persona que disfruta explorando minuciosamente los sistemas programables y cómo ensanchar sus posibilidades, hasta el uso desaprobatorio que remite a quien, de manera maliciosa, procura descubrir información delicada mediante la manipulación de sistemas de programación.

Con motivo de la conmemoración durante el año 2004 del centenario del nacimiento de Salvador Dalí, el Museo presenta la muestra  Dalí. Cultura de masas y dedica el ciclo de conferencias a la figura de este poliédrico creador.

¿Qué es el tunche? El tunche es un personaje que nunca se ha visto pero que existe. Carece de representación visual, pero se le imagina como un pájaro nocturno. 

Este programa de cine y vídeo presenta la filmografía completa de la cineasta vietnamita Trinh T. Minh-ha (Hanoi, 1952), una de las voces contundentes del discurso poscolonial y posfeminista en la década de los ochenta y noventa. 

En su cuarta edición, Cine y casi cine vuelve a catalizar energías convergentes en su vocación de reflejar la heterogeneidad artística y audiovisual contemporánea reuniendo películas no narrativas, anti-documentales y documentales subjetivos que muestran voces, culturas y lenguajes diversos. 

Cremaster 3 es el quinto y último trabajo audiovisual del complejo ciclo conocido como Cremaster (1994-2002) concebido como un conjunto heterodoxo por el artista norteamericano Matthew Barney (San Francisco, 1967). 

La obra de Joan Rabascall (Barcelona, 1935), uno de los artistas españoles que en 1974 iniciaron en París el movimiento Arte Sociológico, aborda los mensajes que contienen las imágenes mediatizadas, previamente manipuladas, que recibimos diariamente.