Seminarios y conferencias

Esta presentación reúne a Ángel González, Eva Rivas, José Luis Gallero y José María Parreño en torno al trabajo y vida del crítico de arte Quico Rivas. Cómo escribir de pintura sin que se note es una recopilación de textos en la que Rivas trabajó durante los últimos años de su vida y que ha sido publicada a título póstumo.

Este curso está dedicado a las relaciones entre ciudad y producción cultural. Metrópolis de la cultura es uno de los temas fundamentales de investigación, reflexión crítica y formación del programa de Nociones Comunes del año 2011, que pretende estudiar la compleja red entre producción cultural, crítica institucional y formas de hacer-representar la ciudad.

Una de las cuestiones más importantes para historiadores, críticos de arte y artistas contemporáneos es llegar a entender la compleja relación entre la experiencia del arte y su institucionalización. Mirar críticamente el rol del “museo de arte moderno” contemporáneo supone entender su historia, investigando no sólo qué fuerzas políticas y económicas son expresadas en la exhibición de arte, sino también qué realidades y mitologías son creadas en este proceso.

Esta serie de conferencias magistrales inicia un nuevo programa público, en el que un destacado teórico o historiador del arte inaugura la actividad académica del Museo Reina Sofía y los distintos programas universitarios que éste alberga.

En esta mesa redonda artista, teóricos y participantes del proyecto debaten el conjunto de la exposición Entre/Between dedicada a la obra de Antoni Muntadas en el Museo. La muestra es revisada desde sus componentes narrativos hasta el dispositivo espacial y el modo de interpelar al público.

El Guernica, testimonio y denuncia del bombardeo de la población vasca del mismo nombre, se considera una obra fundamental para el arte del siglo XX y sigue siendo un símbolo universal de la lucha contra la opresión. Su llegada a Madrid en septiembre de 1981 se presentó como el fin simbólico de la Transición.

Concierto del músico y compositor americano Morton Subotnick. Es acompañado por el artista visual Lillevan, que realiza una reinterpretación en clave visual de la música de Subotnick. El repertorio de este concierto incluye piezas de Silver Apples Of The Moon (1967) y de  A Sky of Cloudless Sulfur (1978), otro de sus álbumes pioneros.

Después de quinientos años de la invención de América, y transcurridos doscientos años del nacimiento de las primeras repúblicas latinoamericanas, ronda y aparece como una sombra ineludible una pregunta que se oculta en el nombre mismo que engloba estos Estados: ¿Es posible pensar Latinoamérica? ¿Es posible, acaso, pensarla como una unidad asible? Evidentemente, la conclusión es no. Sin embargo, la pregunta principal esquiva esta contradicción por cuanto el nombre dado a esta región del mundo reclama reflexiones generales que la abarquen y múltiples pensamientos que la engloben, más allá y tomando en cuenta cuestiones particulares de cada zona geográfica.

El crítico de arte y comisario independiente Santiago Olmo mantiene una conversación con la artista Soledad Sevilla en relación a la exposición Escrito en los cuerpos celestes. Esta muestra consiste en una instalación realizada por la artista en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro.

En la última década y media, los espacios urbanos, el territorio y todos los recursos naturales (suelo, agua, ecosistemas) han sido objeto de un enorme y progresivo expolio, que, sin embargo, ha permitido sostener una de las etapas de crecimiento económico más largas en años recientes. Este seminario se propone debatir causas y efectos de la crisis enfocados en el problema del suelo y la construcción.

Visita comentada por la artista Elena Asins a su exposición Fragmentos de la memoria. Se completa con un coloquio con el público participante, que busca articular el lenguaje de lo visible y el de lo verbal, el de la artista y el del público o el de la exposición y el debate, como clave para acercarse a su obra.

En esta conversación, João Fernandes y François Piron, los comisarios de la exposición Locus Solus. Impresiones de Raymond Roussel, aportan algunas de las claves para acercarse al singular universo del poeta y su peso en la modernidad artística.

Bajo el título René Daniëls revisitado, el crítico de arte Dominic van den Boogerd aborda en una conferencia los temas recurrentes en la obra de Daniëls: la fascinación por la imagen como veladura y la pintura como juego de apariciones y desapariciones.

El libro Repensar la dramaturgia. Errancia y transformación es fruto del I Seminario Internacional sobre Nuevas Dramaturgias (Centro Párraga, 2009). Su presentación en el Museo inaugura el curso académico del Máster en Prácticas Escénica y Cultura Visual del Centro de Estudios.

A finales de 1950 Jorge Oteiza concluye sus investigaciones en el campo de la escultura, pero lejos de agotar sus preocupaciones estéticas éstas continúan en otro ámbito inexplorado hasta ahora, el del cine.

Los desafíos políticos de la globalización encontraron su cristalización en la publicación de Imperio, donde Michael Hardt y Antonio Negri definían el paradigma del nuevo e incontestable poder global.

Esta conversación sirve de introducción a la mayor exposición retrospectiva dedicada hasta la fecha al artista italiano. alighiero boetti. estrategia de juego ha sido coproducida por el Museo junto a la Tate Modern (Londres) y el MoMA (Nueva York), y comisariada por Lynne Cooke, Mark Godfrey y Christian Rattemeyer.

Nueva edición de las Jornadas de Informática y Electrónica Musical que comprende una serie de talleres de producción y post-producción sonora, conciertos dedicados a la percepción aural del espacio y a la improvisación y proyección del sonido en directo, así como una serie de reflexiones, en un encuentro y mesa redonda, sobre las posibilidades artísticas de la radio y lamirada renovada a la Colección del Museo desde un nuevo ámbito, el del oído.

Cuando se habla de institución anómala se intenta, a través de un nuevo adjetivo, reinventar el sustantivo institución. La institución anómala lo es por su carácter experimental y ajeno a las lógicas estatales y mercantiles, por su carácter híbrido de “institución monstruo” y por su propia capacidad de hibridación de las relaciones entre sujetos.

La aparición del movimiento de la fotografía obrera traduce en la imagen una compleja trama social, artística y política, en la que confluyen la crisis económica de finales de los años 20, el nacimiento de la cultura visual moderna, el reformismo o las políticas de representación frente a la maquinaria de propaganda y los inicios de los medios de masas en la esfera pública proletaria. Así, la imagen, siguiendo la metáfora del contacto fotográfico, se convierte en una huella para volver a mirar las contradicciones de un tiempo específico. Este programa invita a especialistas de distintas áreas, desde el cine hasta la teoría del arte, para desentrañar tales contradicciones.

En este seminario de dos días, Gregory Sholette revisa algunos de los temas más destacados en la teoría y práctica artística recientes en contra de las asunciones generales. En primer lugar, ¿cuál es la verdadera orientación del retorno del colectivismo en la esfera pública hoy? Presente tanto en corporaciones como en la nueva pedagogía artística, ¿responde a una noción de clase política o imita, por el contrario, una nueva cultura empresarial? En segundo lugar, la inteligencia colectiva de internet ha supuesto un desequilibrio para las jerarquías entre el mundo del arte y la materia oscura, aquellos artistas invisibles ante crítica e institución, según Sholette, y que ahora ocupan espacios alternativos de opinión y representación. ¿Cuál es la relación entre la institución arte y la materia oscura, cada vez más pública?

Migraciones escénicas es la segunda etapa de un proyecto sobre investigación en artes escénicas organizado por Artea en colaboración con asociaciones internacionales de Alemania, Brasil, Chile, Eslovenia y Turquía.

A partir de la publicación En torno al vídeo (Bonet, Dols, Mercader, Muntadas), en 1980, se abre un proceso de institucionalización del vídeo que, afirmándose a través de diferentes hitos enmarcados en las políticas culturales de los años ochenta y noventa, comienzan a desplazar todo el potencial comunicativo e ideológico que venía adscrito al medio, reconduciéndolo hacia la oportunidad artística.

Cualquier posible separación entre arte y vida en Yayoi Kusama (Matsumoto, 1928) no existe. Miembro activo en la escena artística crítica con la guerra de Vietnam de los 60 en Nueva York, ciudad donde se relacionó por igual con el minimalismo, el happening o el pop, regresa a Japón, en 1973, ampliando los límites de su trabajo. Su heterogénea obra abarca desde el collage hasta la composición musical, incluyendo el diseño, la novela o el arte de instalación. Kusama desarrolla de forma obsesiva la idea de repetición y retícula, haciendo de las superficies cubiertas de puntos, redes infinitas, en sus palabras, una de sus señas de identidad.

Encuentros es un programa con el que el Museo busca generar debate en torno a las exposiciones programadas en el mismo. Coincidiendo temporalmente con la inauguración pública de las muestras, artistas, comisarios, críticos e historiadores entablan un diálogo en el que se que anticipan y cuestionan las líneas y recorridos de cada proyecto expositivo.

Las características del trabajo global se revelan como invisibles en su mismo proceso de producción. El mar, escribe Allan Sekula, se olvida hasta que nos golpea el desastre.

El colectivo PSJM, equipo artístico residente en Berlín formado por Cynthia Viera y Pablo San José, presenta su libro La Isla de Hidrógeno, donde un enjambre bien estructurado de sólidos personajes se engarzan en varias tramas orgánicamente hilvanadas. A los autores del libro les acompañan Miguel Cereceda, José Luis Corazón y Jesús Carrillo.

El Seminario de Prácticas Críticas pretende motivar la capacidad de juicio crítico del alumno y estimular la adopción de un pensamiento posicionado a partir del conocimiento profundo de las corrientes de pensamiento contemporáneas. El seminario se estructura a partir de la lectura y análisis de documentos y materiales propuestos por cada uno de los profesores participantes.

Este encuentro entre escritores y editores se plantea como una mirada a las formas de la literatura menor, procedente de espacios como Quebec, Montreal o Tánger. Sonia García Soubriet, Jesús Egido y Madeleine Monette dialogan sobre paisajes de seducción y sobre la literatura como universo de ruidos y silencios, de laberintos urbanos y de refugios de intimidad.

Este seminario pretende mostrar la variedad y complejidad de algunos de los debates en torno a la historia contemporánea española. Para ello, recoge las investigaciones más recientes sobre aspectos como las exposiciones, el urbanismo, las revistas, la fotografía o la relación con los regímenes totalitarios y su desenlace en la guerra civil y en la segunda guerra mundial.

Este seminario parte de la consideración de los modelos de producción cultural y su relación con las prácticas en distintos campos del activismo y la investigación social. Se trata de considerar las iniciativas de trabajo de los diferentes actores del ámbito cultural, desde los grandes museos y centros de arte hasta las pioneras empresas de lo procomún.

Jorge Ribalta, comisario de la exposición El movimiento de la fotografía obrera, 1926-1939, ensaya en esta presentación una primera tentativa de historización del movimiento de la fotografía obrera. Su objetivo es, más allá de realizar un recorrido por artistas y obras singulares, relatar la constitución de espacios públicos a través del medio fotográfico.

Presentación del libro Expresionismo. Lenguaje y construcción de la forma arquitectónica de Javier Climent, quien argumenta una historia del funcionalismo arquitectónico que pasa por la herencia de la tradición expresionista en el proyecto moderno. El libro muestra un funcionalismo menos uniforme, en el que expresionismo y organicismo se combinan con el racionalismo.

Pese a cruzar el espacio de entre vanguardia y neovanguardia, el cine y la actividad audiovisual de José Val del Omar han transcurrido en el territorio del mito.

La representación de la Guerra Civil española y de sus víctimas a través del cine ha variado a lo largo de las diferentes etapas históricas que discurren desde 1936 hasta la actualidad.

El seminario internacional Encuentros con los 30 empieza con una serie de preguntas sobre una década que ha protagonizado las ideas históricas y contemporáneas del arte y de la política, de la autonomía artística y de la presión del contexto sobre la producción artística.

Este seminario se divide en cuatro mesas redondas que pretenden interrogar el proyecto de Aby Warburg desde sus coordenadas históricas e intelectuales. Aborda también las principales cuestiones respecto a la naturaleza de la imagen que se plantean en Atlas y que resuenan en el debate actual.

Este libro, editado por Fernando Estévez González y Mariano de Santa Ana, busca ampliar el campo de debate sobre el archivo, más allá de su habitual reducción a tales aspectos técnicos y operativos. Derivado de dos seminarios, esta publicación ofrece un espacio de reflexión crítica a partir de distintos presupuestos epistemológicos y orientaciones teóricas.

Coincidiendo con la inauguración pública de la muestra El deseo nace del derrumbe, se presenta el encuentro entre el artista argentino Roberto Jacoby y Ana Longoni, historiadora del arte y comisaria de la exposición. En esta conversación se anticipan y cuestionan las líneas y recorridos del proyecto expositivo.

Desde 1968 se habla de micropolítica como de aquello que informa no solo las dimensiones del poder en los grupos y las conexiones de estos con la macropolítica de capital, trabajo, Estado y otras entidades; sino también, y sobre todo, del desconocimiento de la potencia de un cuerpo colectivo hecho grupo.

Factory of Found Clothes (FFC) se define como un ejemplo inusual de colectivo femenino y feminista que, al abordar cuestiones de género extiende su discurso hasta conceptos más amplios, tradicionalmente asociados con el campo de lo femenino, tales como la debilidad y las emociones.

Con ocasión de la inauguración de la exposición Descripción, la artista austriaca Dorit Margreiter conversa con Sabeth Buchmann, historiadora del arte y profesora en el Instituto de Teoría del Arte y Estudios Culturales de la Academia de Bellas Artes de Viena, y con Lynne Cooke, comisaria de la exposición y subdirectora del Museo.

La publicación por primera vez en castellano del Atlas Mnemosyne sirve de marco a este debate en torno a su autor, Aby Warburg. Se trata de una obra determinante en la historiografía artística y origen de importantes corrientes metodológicas, desde la iconología de Panofsky a los modernos Estudios Visuales.

El sistema del arte en España, editado por el historiador del arte Juan Antonio Ramírez, pretende facilitar una mejor comprensión del modo en que el contexto español se ha insertado en el sistema internacional del arte. Permite también forjar paradigmas intelectuales que ayudan a describir el funcionamiento de los nuevos sistemas del arte que están apareciendo en otros países emergentes.

Los límites del cine es un ciclo de proyecciones, encuentros y debates que tienen por objeto la reflexión en torno a la naturaleza del cine, su delimitación y su interacción con otras formas de expresión.