Actividades

La Jornada de Conservación de Arte Contemporáneo se organiza anualmente por el Departamento de Conservación-Restauración del Museo Reina Sofía y el Grupo Español de Conservación. Este congreso crea un lugar de encuentro a nivel internacional de diversos profesionales pertenecientes a instituciones museísticas, universidades, escuelas, empresas y público relacionado con el sector de la conservación y restauración. Por ende, este acto favorece la reflexión, el debate y la puesta en común de cuestiones relacionadas con la problemática de la conservación y restauración del Patrimonio Artístico actual, que se caracteriza por su nueva dimensión, materiales y formatos.

El CNDM (Centro Nacional de Difusión Musical) programa una serie de conciertos anuales en el Museo Reina Sofía. Entre sus objetivos destaca fomentar la música contemporánea y revisar sus transformaciones a lo largo del siglo XX y en años recientes, buscando también hacer partícipe de estas al público.

El CNDM (Centro Nacional de Difusión Musical) programa una serie de conciertos anuales en el Museo Reina Sofía. Entre sus objetivos destaca fomentar la música contemporánea y revisar sus transformaciones a lo largo del siglo XX y en años recientes, buscando también hacer partícipe de estas al público.

El Museo participa por tercer año consecutivo en el Festival Escena Contemporánea. La programación de esta sede para la edición 2011 incluye la obra de Ixiar Rozas, Mónica Valenciano y Vera Mantero, Chus Domínguez y Abbas Kiarostami.

Con ocasión de la inauguración de la exposición Descripción, la artista austriaca Dorit Margreiter conversa con Sabeth Buchmann, historiadora del arte y profesora en el Instituto de Teoría del Arte y Estudios Culturales de la Academia de Bellas Artes de Viena, y con Lynne Cooke, comisaria de la exposición y subdirectora del Museo.

ReVox es un programa dedicado a la poesía sonora europea contemporánea que presenta dos ediciones anuales. En él participan autores que trabajan en definir nuevas formas de concebir la poesía y experimentar con el sonido. Seis poetas jóvenes de diferentes ciudades europeas presentan sus propuestas poéticas en esta edición.

La publicación por primera vez en castellano del Atlas Mnemosyne sirve de marco a este debate en torno a su autor, Aby Warburg. Se trata de una obra determinante en la historiografía artística y origen de importantes corrientes metodológicas, desde la iconología de Panofsky a los modernos Estudios Visuales.

El sistema del arte en España, editado por el historiador del arte Juan Antonio Ramírez, pretende facilitar una mejor comprensión del modo en que el contexto español se ha insertado en el sistema internacional del arte. Permite también forjar paradigmas intelectuales que ayudan a describir el funcionamiento de los nuevos sistemas del arte que están apareciendo en otros países emergentes.

Los límites del cine es un ciclo de proyecciones, encuentros y debates que tienen por objeto la reflexión en torno a la naturaleza del cine, su delimitación y su interacción con otras formas de expresión.

Seminario dirigido a replantear la condición contemporánea del espectador. Pretende revisar los paralelismos que a menudo se han trazado entre público y sociedad, así como reflexionar sobre formas de participación que han subvertido las dicotomías simplistas de identificación y distancia crítica.

Laboratorio de creación dirigido por María Ribot y programado por el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de la Universidad de Alcalá. A partir de la historia de la danza, La Ribot propone un paseo subjetivo y personal, pero también histórico y analítico para rescatar, rememorar, revivir y hacer nuevamente presente esa cultura.

El encuentro Memorias Disruptivas se propone intervenir críticamente en la llamada internacional a conmemorar y celebrar, a lo largo del 2010, los procesos de independencia del continente americano ocurridos hace doscientos años. A través de diversas actividades (talleres, mesas de debate, intervenciones gráficas, proyectos editoriales y presentación de investigaciones en curso) este encuentro pretende contrarrestar el carácter afirmativo de las celebraciones oficialistas de los Bicentenarios de América Latina y el Caribe, activando un conjunto de memorias disruptivas y de contra-discursos en torno al valor político, estético e historiográfico de dichas celebraciones.

George Didi-Huberman, comisario de la exposición Atlas. ¿Cómo llevar el mundo a cuestas?, introduce las implicaciones de narrar la historia a partir de la supervivencia de la imagen y cómo se integra el anacronismo en la exhibición de arte. Didi-Huberman enfrenta estas cuestiones a partir del análisis y referencias al pensamiento de Aby Warburg.

Bajo la dirección de Guillermo Heras, actores españoles realizan una lectura dramatizada de la obra del pintor Pablo Picasso. Esta acción se desarrolla en las salas de exposición de la Colección con motivo de la celebración de los veinte años del Museo.

Partiendo de la presentación del volumen editado por el colectivo Edu-Factory y la Universidad Nómada bajo el título de La Universidad en conflicto: capturas y fugas en el mercado global del saber (Traficantes de Sueños, 2010), este encuentro propone repensar la acción política en el ámbito del saber tras “el movimiento antibolonia” o “la onda anómala” que ha recorrido los campus europeos durante los dos últimos años.

Concierto y proyección a cargo de C. Raman Schlemmer, a partir del trabajo desarrollado por Oskar Schlemmer como director del taller de artes escénicas de la Bauhaus. Las danzas de la Bauhaus establecen un íntimo diálogo con las ideas espaciales de Walter Gropius y las experiencias de Kandinsky, Klee e Itten sobre el color y la forma.

El esqueleto tatuado es un proyecto de la artista Suzanne Lacy que analiza críticamente las narraciones de la violencia de género y examina cómo tales historias privadas son contadas y representadas en la esfera pública.

La historiadora del arte norteamericana Linda Nochlin (1931) ha encabezado una relectura del canon de la historia del arte desde que publicara los influyentes ¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas? y El Realismo, ambos de 1971. Su análisis ha alentado una ampliación de miras en la historia social del arte y la definitiva incorporación del feminismo y de los estudios de género como motor de transformación crítica de la disciplina. En esta conferencia aborda la cuestión de la representación de lo social y el compromiso político del artista.

Coincidiendo con la exposición : desbordamiento de Val del Omar, Lagartija Nick pone en práctica las tesis del sonido diafónico y el desbordamiento de la imagen. En este concierto el noise y el trance remiten a las ensoñaciones místicas y tecnológicas del autor de Fuego en Castilla.

Durante cinco días se discutieron diferentes aspectos para mejorar la conservación de obras contemporáneas a través de propuestas de documentación, comprensión, exposición y difusión que permitieran optimizar recursos, actualizar criterios y mejorar la conservación integral de las obras, tomando en cuenta aspectos materiales e inmateriales inherentes a las nuevas formas de expresión.

Este espectáculo de Israel Galván, con guión de Pedro G. Romero, es una propuesta única que revisa coreografías y piezas originales de mediados del siglo XX. Pretende con ello devolver los sonidos y la memoria oral a la Colección con motivo del veinte aniversario del Museo.

Bruce Conner (Kansas, 1933; San Francisco, 2008) desarrolló su carrera durante más de medio siglo creando en casi todos los soportes artísticos.

Suzanne Lacy (California, 1945) es una artista visual estadounidense pionera en abordar, desde el activismo político, la denuncia de la violencia contra las mujeres.

Las residencias de investigación del Centro de Estudios buscan integrar los públicos y espacios de trabajo del museo y la universidad, introduciendo el tiempo de investigación en el contexto del museo y la capacidad de relación en el ámbito académico. Los resultados de esta primera convocatoria se presentan en sucesivas presentaciones de diversos formatos.

En conversación con la artista Yael Bartana (Israel, 1970), Nina Möntmann revisa ejemplos recientes de dos tipos de prácticas artísticas y sociales: una centrada en la cooperación y otra ocupada en elevar las fallas de grupos sociales definidos por un marco nacional, étnico o religioso.

La obra de Cecilia Barriga (Concepción, 1957), cineasta chilena radicada en Madrid desde 1977, mantiene un vivo compromiso con las cuestiones de igualdad social y la reflexión sobre el género, interrogándose sobre el modo en que se construyen y representan las identidades individuales y colectivas, sea por la pulsión imaginaria de lo íntimo o por el devenir cultural y político que rodea a las personas.