Actividades de educación

El grupo de estudio “Situar la mediación”, del programa Escuela Perturbable, propone a profesionales de la educación en museos compartir experiencias centradas en la transformación pedagógica y los aprendizajes colectivos, con el objetivo de reformular la práctica dialógica con los públicos de las instituciones culturales.

Museo a Mano ofrece a las personas con discapacidad visual la posibilidad de participar en diferentes recorridos táctiles que dan acceso a una serie de esculturas originales de la colección del Museo, con el propósito de ofrecer una aproximación a la revolución que, a lo largo del siglo XX, se produjo en el concepto tradicional de escultura. Las obras e itinerarios que se ofrecen se renuevan periódicamente en paralelo con la reordenación de la Colección

Dorothea Tanning (1910–2012) es considerada una de las mujeres artistas más importantes y polifacéticas del siglo XX, aunque ella misma rechazaba esa definición: “Mujeres artistas: no existe tal cosa –o persona–. Es una contradicción en sus términos, al igual que ‘hombre artista’ o ‘elefante artista’. Puedes ser una mujer y puedes ser una artista; pero lo primero te viene dado y lo otro lo eres tú”.

Tanning desarrolló una extensa producción, meticulosa y expresiva, de pinturas, dibujos, diseños de vestuario y decorados para ballets, esculturas “blandas”, novelas y poemas.

La presencia de un Intérprete en Lengua de Signos Española (ILSE) y el préstamo de lazos de inducción magnética garantizan la plena accesibilidad de la comunidad sorda.

La Compañía Contando Hormigas presenta este concierto-performance con videoproyección que habla de la mujer valiente, pero también de la mujer que tiene miedo; de la que se defiende y de la que ataca, de la mujer poderosa y de la mujer que hace de su debilidad una fuente de poder.  

Con el propósito de abordar temas de interés para su labor docente y de compartir un espacio de reflexión acerca de las distintas posibilidades pedagógicas que los contenidos de la Colección del Museo y de las prácticas artísticas contemporáneas en general ofrecen, se propone una sesión dirigida específicamente a profesorado de Educación Secundaria y Bachillerato, en la que una educadora colaborará con los participantes en la creación de propuestas de trabajo aplicables tanto en el Museo como en el aula.

Un espacio habitado por una obra de arte. ¡Silencio!
Fuera, dentro. Aquí, allí. Tú, yo. ¡Silencio!
Destruir, construir, transformar. ¡Silencio!
Y entonces... otra manera, otras posibilidades.
Un lugar nuevo.

Selina Blasco y Lila Insúa conversan con Francesco Careri para explorar dinámicas de aprendizaje en el dentro/fuera de la institución universitaria: ¿qué posibilidades se abren cuando se sale del aula al espacio exterior?, ¿qué espacio exterior interesa explorar?, ¿con qué herramientas?, ¿qué implica desde el cuerpo?, ¿qué tiempos se ponen en juego?, ¿cómo se conjuga con lo que ocurre en el aula?, ¿cómo se construye la narración de la experiencia?

Destinada a usuarios de Centros Ocupacionales, Actuar en la sombra trabaja a partir de la conversión de los participantes en actores y generadores del proceso creativo. A través de la expresión corporal, mediante dinámicas gestuales, improvisación, humor o mímica, los participantes, desde sus diversas capacidades individuales y el trabajo en grupo, generan nuevos discursos y experiencias cognitivas y visuales tanto en el recorrido por las salas como en el posterior teatro de sombras.

En su texto para el proyecto Ni arte ni educación, Luis Camnitzer denuncia la separación disciplinaria de ambos conceptos y nos invita a la tarea épica de “recargar y unificar (estas) palabras ya conocidas y por ahora muertas por el mal uso”. Frente a la visión del arte en nuestra cultura como medio de producción (El museo es una fábrica), el arte sería una “meta-disciplina que permite subvertir los órdenes establecidos y nos permite transitar continuamente del área del conocimiento al área del desconocimiento”. Es en “ese identificar los misterios de lo desconocido, desmitificarlos y superarlos para entonces enfrentar los nuevos misterios”, donde se produce la verdadera educación, según Camnitzer.

480+20 es un grupo heterogéneo formado por artistas, estudiantes (presentes, pasados y futuros), profesoras, ciudadanas… que empleará un tiempo largo para pensar juntas sobre el aprendizaje de las artistas en la universidad. En “La enseñanza del arte como fraude”, Luis Camnitzer cuenta que entre los 5000 estudiantes que tuvo cuando daba clase en universidades estadounidenses, de los 500 que “tenían la esperanza de lograr éxito a través de muestras en el circuito de galerías”, solo unos 20 lo lograron. Los 480 restantes “terminaron con la esperanza de vivir de la enseñanza”. Para sobreponernos al desencanto de sus reflexiones, querríamos indagar otras aritméticas. Somos 480 y queremos ser más. Somos 20 pero aspiramos a ser 500. Estamos masificadas y de ahí nace nuestra fuerza. Sin idealizar, hay que trabajar en la idea de estar juntas. No hay rivalidad, porque tampoco está claro si hay pastel para repartir o nos convendrá más cocinarlo entre todas.

El itinerario Cuerpo forma parte de un programa de visitas comentadas que hacen un recorrido transversal por varias partes de la Colección, en este caso centrada en la segunda mitad del siglo XX.

La presencia de un Intérprete en Lengua de Signos Española (ILSE) y el préstamo de lazos de inducción magnética garantizan la plena accesibilidad de la comunidad sorda.

Si fuera un movimiento… es un viaje multisensorial, en el que una bailarina y un músico dialogan con las obras en y desde los espacios del Museo. La metodología de la actividad potencia la observación activa, la implicación emocional y el trabajo colectivo, mediante dinámicas participativas basadas en la percepción intrínseca de las obras, los sonidos y movimientos que inspiran, y los lugares físicos que ocupan en las salas del Museo.

Esta propuesta, basada en un recorrido por obras de la Colección 2 y un taller de teatro de sombras, busca hacer de lo teatral un modo de vincular a los participantes con la experiencia artística mediante la experimentación corporal de las obras. El gesto, la composición escenográfica o el potencial expresivo de la luz permitirán a los participantes generar experiencias significativas a partir de las piezas y explorar, además, la relación entre teatro, arte y vida.