Actividades de educación

Con el propósito de abordar temas de interés para su labor docente y de compartir un espacio de reflexión acerca de las distintas posibilidades pedagógicas que los contenidos de la Colección del Museo y de las prácticas artísticas contemporáneas en general ofrecen, se propone una sesión dirigida específicamente a profesorado de Educación Secundaria y Bachillerato, en la que una educadora colaborará con los participantes en la creación de propuestas de trabajo aplicables tanto en el Museo como en el aula.

Un espacio habitado por una obra de arte. ¡Silencio!
Fuera, dentro. Aquí, allí. Tú, yo. ¡Silencio!
Destruir, construir, transformar. ¡Silencio!
Y entonces... otra manera, otras posibilidades.
Un lugar nuevo.

Selina Blasco y Lila Insúa conversan con Francesco Careri para explorar dinámicas de aprendizaje en el dentro/fuera de la institución universitaria: ¿qué posibilidades se abren cuando se sale del aula al espacio exterior?, ¿qué espacio exterior interesa explorar?, ¿con qué herramientas?, ¿qué implica desde el cuerpo?, ¿qué tiempos se ponen en juego?, ¿cómo se conjuga con lo que ocurre en el aula?, ¿cómo se construye la narración de la experiencia?

Destinada a usuarios de Centros Ocupacionales, Actuar en la sombra trabaja a partir de la conversión de los participantes en actores y generadores del proceso creativo. A través de la expresión corporal, mediante dinámicas gestuales, improvisación, humor o mímica, los participantes, desde sus diversas capacidades individuales y el trabajo en grupo, generan nuevos discursos y experiencias cognitivas y visuales tanto en el recorrido por las salas como en el posterior teatro de sombras.

En su texto para el proyecto Ni arte ni educación, Luis Camnitzer denuncia la separación disciplinaria de ambos conceptos y nos invita a la tarea épica de “recargar y unificar (estas) palabras ya conocidas y por ahora muertas por el mal uso”. Frente a la visión del arte en nuestra cultura como medio de producción (El museo es una fábrica), el arte sería una “meta-disciplina que permite subvertir los órdenes establecidos y nos permite transitar continuamente del área del conocimiento al área del desconocimiento”. Es en “ese identificar los misterios de lo desconocido, desmitificarlos y superarlos para entonces enfrentar los nuevos misterios”, donde se produce la verdadera educación, según Camnitzer.

480+20 es un grupo heterogéneo formado por artistas, estudiantes (presentes, pasados y futuros), profesoras, ciudadanas… que empleará un tiempo largo para pensar juntas sobre el aprendizaje de las artistas en la universidad. En “La enseñanza del arte como fraude”, Luis Camnitzer cuenta que entre los 5000 estudiantes que tuvo cuando daba clase en universidades estadounidenses, de los 500 que “tenían la esperanza de lograr éxito a través de muestras en el circuito de galerías”, solo unos 20 lo lograron. Los 480 restantes “terminaron con la esperanza de vivir de la enseñanza”. Para sobreponernos al desencanto de sus reflexiones, querríamos indagar otras aritméticas. Somos 480 y queremos ser más. Somos 20 pero aspiramos a ser 500. Estamos masificadas y de ahí nace nuestra fuerza. Sin idealizar, hay que trabajar en la idea de estar juntas. No hay rivalidad, porque tampoco está claro si hay pastel para repartir o nos convendrá más cocinarlo entre todas.

El itinerario Cuerpo forma parte de un programa de visitas comentadas que hacen un recorrido transversal por varias partes de la Colección, en este caso centrada en la segunda mitad del siglo XX.

La presencia de un Intérprete en Lengua de Signos Española (ILSE) y el préstamo de lazos de inducción magnética garantizan la plena accesibilidad de la comunidad sorda.

Si fuera un movimiento… es un viaje multisensorial, en el que una bailarina y un músico dialogan con las obras en y desde los espacios del Museo. La metodología de la actividad potencia la observación activa, la implicación emocional y el trabajo colectivo, mediante dinámicas participativas basadas en la percepción intrínseca de las obras, los sonidos y movimientos que inspiran, y los lugares físicos que ocupan en las salas del Museo.

Esta propuesta, basada en un recorrido por obras de la Colección 2 y un taller de teatro de sombras, busca hacer de lo teatral un modo de vincular a los participantes con la experiencia artística mediante la experimentación corporal de las obras. El gesto, la composición escenográfica o el potencial expresivo de la luz permitirán a los participantes generar experiencias significativas a partir de las piezas y explorar, además, la relación entre teatro, arte y vida.

Salto al vacío conjuga dinámicas circenses con procesos interactivos de exploración y contemplación participativa entre los educadores-artistas, los participantes y las obras de la Colección. De este modo, los alumnos de Centros de Educación Especial y los usuarios, jóvenes y adultos, de Centros Ocupacionales son invitados a acercarse al arte a través de formas inclusivas de comunicación basadas en la expresión corporal.

El juego, como una de las primeras vías de experimentación y descubrimiento del mundo, tiene un gran potencial a la hora de plantear una aproximación temprana del alumnado de Educación Infantil al arte contemporáneo. Es por ello por lo que se usa como vehículo en esta actividad, que lleva a los participantes a través de un recorrido por obras de autores de la Colección del Museo, en el que el propio hecho de jugar es la clave para una estimulante experiencia de apreciación artística.

Las problemáticas de lo educativo en el contexto de las instituciones culturales han preocupado a Camnitzer a lo largo de toda su trayectoria. Su posición como curador pedagógico en la Sexta Bienal de Mercosur en 2009 abrió un camino de experimentación sin precedentes en torno a la mediación artística y la educación en museos que fue enunciado en el texto “Educación para el arte. Arte para la educación”, en el que el artista defiende la verdadera posición de lo educativo como eje central de las instituciones artísticas: “Para nosotros la Bienal, a pesar de su nombre, no es una exposición que resucita cada dos años. Es, en cambio, una institución viva y continua que, dedicada a la educación del arte, funciona permanentemente”.

Siguiendo con el acercamiento al arte contemporáneo por medio de diversas formas de expresión, más allá de la tradicional transmisión oral de conocimientos, esta propuesta aporta una visión desde el lenguaje circense. Mediante dinámicas y recursos tomados de ese mundo (acrobacias, malabares, clown, comedia física), que se revelan como interesantes estrategias de aproximación a las obras, se indaga en las diversas posibilidades creativas abiertas por diferentes artistas presentes en la Colección del Museo.

Tomando como punto de partida diferentes obras de la Colección del Museo, la actividad busca realizar con los participantes un trabajo de descubrimiento de las distintas maneras de construir biografías y de identificación de los diversos elementos que confluyen en todo relato biográfico o autobiográfico. Recuerdos, expectativas, lugares, espacios y personas serán, entre otros, elementos comunes entre las obras y las vivencias del alumnado, que ayudarán a vincular éstas con sus propias experiencias personales.

Lo que hay en juego es una actividad para menores entre 4 y 6 años y personas adultas centrada en el juego como base para acercarse a obras de artistas que han incorporado lo lúdico en su proceso creativo.

En Escenarios improbables reconvertimos las salas del Museo en lugares de actuación y experimentación corporal para explorar diferentes obras de la Colección de los años 60 y 70. La expresión gestual, el movimiento, la creación colectiva… nos permitirán generar una serie de experiencias interactivas para acercarnos a las obras de arte.

Guernica, testimonio de una época es una visita descriptiva dirigida a personas ciegas o con baja visión y acompañantes, cuyo objetivo es hacer accesibles contenidos que, siendo de una gran relevancia dentro de la Colección, no son susceptibles de un acceso táctil dadas las características técnicas de las obras.

Taller de arte dirigido a jóvenes de 16 a 21 años de origen migrante que habiten o frecuenten el barrio de Lavapiés y deseen ser parte de esta experiencia colectiva en la que reflexionar sobre identidad, cuerpo, territorio y comunidad.

Esta visita comentada propone descubrir la vanguardia rusa de principios del siglo XX a través de la primera gran exposición concebida desde las pautas antiartísticas o antiacadémicas asociadas al movimiento internacional dadá. La I Guerra Mundial y la Revolución rusa marcaron el desarrollo de este ismo artístico, que con la afirmación da, da —sí, sí, en idioma ruso— negaban irónicamente lo “clásico” de su época.

La presencia de un Intérprete en Lengua de Signos Española (ILSE) y el préstamo de lazos de inducción magnética garantizan la plena accesibilidad de la comunidad sorda.

Tras la participación en las actividades propuestas en el Museo, la continuación del trabajo con el alumnado en las aulas en torno a los conceptos explorados en el taller puede ser una opción muy enriquecedora que permita profundizar aún más en temas de interés para el grupo. Aquellos centros que opten por seguir investigando después de su visita podrán compartir sus trabajos en un encuentro, que se realizará en el Auditorio Sabatini del Museo, y que quiere ser además un lugar de debate e intercambio de opiniones entre todos los miembros de la comunidad educativa.

El artista en crisis forma parte de una serie de itinerarios transversales que proponen nuevas miradas a la Colección, cuestionan las interpretaciones tradicionales y revelan la riqueza de implicaciones históricas, sociales y políticas del hecho artístico.

La presencia de un Intérprete en Lengua de Signos Española (ILSE) y el préstamo de lazos de inducción magnética garantizan la plena accesibilidad de la comunidad sorda en las visitas comentadas.

Desde la fina línea que en todo documento separa la parte que éste contiene de realidad y la que, en mayor o menor medida, es ficción, esta actividad busca analizar y cuestionar la objetividad que se le supone a los diferentes formatos documentales a través de la interpretación de varias obras de la Colección. Con ello se pretende hacer reflexionar a los participantes sobre cuestiones como la imposibilidad de reflejar objetivamente la realidad o la manipulación que subyace en muchos procesos documentales.

Con el objetivo de investigar en las posibilidades pedagógicas del arte contemporáneo en el ámbito de la Educación Primaria, el Museo Reina Sofía colabora con el Centro Territorial de Innovación y Formación (CTIF) Madrid-Capital en la organización de este curso.

El Museo Reina Sofía presenta la exposición William Kentridge. Basta y sobra, dedicada al artista William Kentridge (Johannesburgo, 1955), en la que se explora tanto su producción escénica, que incluye teatro, ópera y performance, como sus creaciones plásticas. La presencia de un Intérprete en Lengua de Signos Española (ILSE) y el préstamo de lazos de inducción magnética garantizan la plena accesibilidad de la comunidad sorda en esta muestra interdisciplinar.

Tomando como punto de partida los aspectos clave de la Colección del Museo y las propuestas transversales de las exposiciones temporales, se propone a los docentes de Secundaria y Bachillerato un recorrido por contenidos y metodologías que permitirán abordar las propuestas de las distintas prácticas artísticas contemporáneas desde un punto de vista pedagógico, con el fin de poder descubrir sus amplias posibilidades de aplicación en el contexto escolar.