Actividades de educación

Una grieta, desarrollado con diversos artistas y colectivos en centros educativos, es un programa iniciado en el curso 2019-2020 que busca promover el arte en la escuela como detonante de nuevos procesos de aprendizaje relacionados con el momento presente. A través del lenguaje artístico se persigue abrir pequeñas grietas por las que entre la luz para descubrir y transitar otras formas de aproximarnos a la realidad, otros modos de investigar, incentivar la duda y activar el pensamiento.

Como símbolo reapropiado durante los años 1970 y 1980 por el activismo gay, el triángulo rosa se ha convertido en un icono de la lucha política por la liberación de las sexualidades disidentes. La escuela, como reflejo social de los cambios de percepción y sensibilidad ocurridos en las últimas décadas, acoge la diversidad de identidades entre la impotencia frente a posturas reaccionarias, que fomentan el creciente acoso escolar hacia subjetividades no normativas, y la esperanza de una adolescencia cada vez más empoderada y feminista, que se rebela contra el rechazo social, el binarismo excluyente y la homofobia.

El proyecto Triángulo Rosa busca consolidar un espacio de confluencia entre diversos agentes que trabajan en el ámbito de la diversidad sexual y de género en los centros escolares, con el propósito de desarrollar, en sintonía con la legislación vigente, programas integrales contra la LGTBIfobia y la discriminación por razón de orientación e identidad sexual.

Escultura en espacios públicos invita a personas ciegas o con resto visual a descubrir obras de gran formato de la Colección del Museo a través de la exploración táctil, ofreciendo una panorámica completa de los cambios y la evolución del lenguaje y las técnicas escultóricas a lo largo del siglo XX.

Arquitecnidos habita-pájaros es el título de estos talleres de creación plástica, experimentación sensorial y sensibilización medioambiental cuyo hilo conductor son las aves y su hábitat. Están destinados a niñxs y jóvenes, y surgen en diálogo con la propuesta que la artista Alejandra Riera, trabajando con la vida no humana dentro del museo, está llevando a cabo en el jardín del Edificio Sabatini.

El programa NOEXPO busca experimentar otras formas de producción de conocimiento en el interior de las instituciones culturales. Para ello invita a artistas, educadoras, comisarias y otras trabajadoras culturales a desarrollar, durante nueve meses, una investigación basada en preguntas que afectan al Museo en general y al Área de Educación en particular.

El recorrido sobre Feminismo discurre por los espacios de la Colección dedicados a las vanguardias históricas, cuestionando el papel y la visibilidad de la mujer en la Historia del Arte.
La presencia de un Intérprete en Lengua de Signos Española (ILSE) y el préstamo de lazos de inducción magnética garantizan la plena accesibilidad de la comunidad sorda.

Esta nueva visita descriptiva se adentra en las diversas vertientes del surrealismo, movimiento de vanguardia que renovó de forma profunda los lenguajes artísticos, partiendo tanto de procesos psíquicos internos como del influjo de la poesía y de una mordaz crítica social. La metodología de aproximación a las obras garantiza la accesibilidad por parte tanto de personas ciegas como con baja visión. Además, se realiza una exploración táctil de varios diagramas en relieve que reproducen los elementos fundamentales de cada una de las obras trabajadas.

Organizado en colaboración con el Centro Territorial de Innovación y Formación (CTIF) Madrid-Capital, este curso aborda la investigación de las distintas posibilidades pedagógicas que el arte contemporáneo puede ofrecer en el ámbito de la Educación Primaria.

Guernica, testimonio de una época es una visita descriptiva dirigida a personas ciegas o con resto visual y sus acompañantes, cuyo objetivo es hacer accesibles los contenidos más relevantes de la Colección, a los que no se puede tener acceso a través del tacto, debido a las características técnicas de las obras.

El grupo de estudio “Situar la mediación”, del programa Escuela Perturbable, propone a profesionales de la educación en museos compartir experiencias centradas en la transformación pedagógica y los aprendizajes colectivos, con el objetivo de reformular la práctica dialógica con los públicos de las instituciones culturales.

El camino a la abstracción ofrece a personas ciegas o con resto visual participar en la exploración táctil de una selección de esculturas originales de la Colección del Museo.

Este encuentro se enmarca en las actividades organizadas por  el grupo de estudio “Situar la mediación”, del programa Escuela Perturbable, en el que profesionales de la educación en museos comparten aquellas experiencias que ponen el énfasis en la transformación pedagógica y los aprendizajes colectivos, con el objetivo de reformular la práctica dialógica con los públicos de diversas instituciones culturales.

El grupo 480+20 de Escuela Perturbable recibe a Kiwi Sainz para compartir su experiencia desde el Centro de Investigaciones Artísticas (CIA) en un encuentro abierto en el que conocer modelos de colaboración institucional híbrida, generando nuevos espacios formativos adaptados a las singularidades de la producción contemporánea.

Esta nueva visita descriptiva amplía el acceso de las personas ciegas o con baja visión a contenidos de la Colección 2 que no son accesibles mediante el tacto, abarcando pinturas, fotografías, grabados, etc. Las personas con discapacidad visual pueden configurar imágenes mentales de las obras seleccionadas, gracias a la combinación de descripciones verbales minuciosas con la exploración de diagramas táctiles que reproducen los elementos compositivos fundamentales de cada obra.

Modernidad y Vanguardia aproxima las esculturas de principio del Siglo XX a personas ciegas o con resto visual por medio de la exploración táctil y el diálogo conjunto.

En paralelo a las investigaciones de los tres grupos de estudio, se llevarán a cabo tres programas de residencias para tres espacios alternativos de aprendizaje superior especializados en temas relacionados con el arte y la educación en América Latina. El objetivo es profundizar, junto con los grupos de estudio, en el debate sobre las diversas razones por las que el concepto “Escuela” está adquiriendo gran importancia en las instituciones culturales.

FelipaManuela es una plataforma independiente con sede en Madrid dedicada a promover la investigación en arte y cultura contemporánea a través de residencias para profesionales extranjer+s, actividades de difusión y publicaciones.

El grupo de estudio “Situar la mediación”, del programa Escuela Perturbable, propone a profesionales de la educación en museos compartir experiencias centradas en la transformación pedagógica y los aprendizajes colectivos, con el objetivo de reformular la práctica dialógica con los públicos de las instituciones culturales.

Museo a Mano ofrece a las personas con discapacidad visual la posibilidad de participar en diferentes recorridos táctiles que dan acceso a una serie de esculturas originales de la colección del Museo, con el propósito de ofrecer una aproximación a la revolución que, a lo largo del siglo XX, se produjo en el concepto tradicional de escultura. Las obras e itinerarios que se ofrecen se renuevan periódicamente en paralelo con la reordenación de la Colección

Dorothea Tanning (1910–2012) es considerada una de las mujeres artistas más importantes y polifacéticas del siglo XX, aunque ella misma rechazaba esa definición: “Mujeres artistas: no existe tal cosa –o persona–. Es una contradicción en sus términos, al igual que ‘hombre artista’ o ‘elefante artista’. Puedes ser una mujer y puedes ser una artista; pero lo primero te viene dado y lo otro lo eres tú”.

Tanning desarrolló una extensa producción, meticulosa y expresiva, de pinturas, dibujos, diseños de vestuario y decorados para ballets, esculturas “blandas”, novelas y poemas.

La presencia de un Intérprete en Lengua de Signos Española (ILSE) y el préstamo de lazos de inducción magnética garantizan la plena accesibilidad de la comunidad sorda.

La Compañía Contando Hormigas presenta este concierto-performance con videoproyección que habla de la mujer valiente, pero también de la mujer que tiene miedo; de la que se defiende y de la que ataca, de la mujer poderosa y de la mujer que hace de su debilidad una fuente de poder.  

Con el propósito de abordar temas de interés para su labor docente y de compartir un espacio de reflexión acerca de las distintas posibilidades pedagógicas que los contenidos de la Colección del Museo y de las prácticas artísticas contemporáneas en general ofrecen, se propone una sesión dirigida específicamente a profesorado de Educación Secundaria y Bachillerato, en la que una educadora colaborará con los participantes en la creación de propuestas de trabajo aplicables tanto en el Museo como en el aula.

Un espacio habitado por una obra de arte. ¡Silencio!
Fuera, dentro. Aquí, allí. Tú, yo. ¡Silencio!
Destruir, construir, transformar. ¡Silencio!
Y entonces... otra manera, otras posibilidades.
Un lugar nuevo.

Selina Blasco y Lila Insúa conversan con Francesco Careri para explorar dinámicas de aprendizaje en el dentro/fuera de la institución universitaria: ¿qué posibilidades se abren cuando se sale del aula al espacio exterior?, ¿qué espacio exterior interesa explorar?, ¿con qué herramientas?, ¿qué implica desde el cuerpo?, ¿qué tiempos se ponen en juego?, ¿cómo se conjuga con lo que ocurre en el aula?, ¿cómo se construye la narración de la experiencia?

Destinada a usuarios de Centros Ocupacionales, Actuar en la sombra trabaja a partir de la conversión de los participantes en actores y generadores del proceso creativo. A través de la expresión corporal, mediante dinámicas gestuales, improvisación, humor o mímica, los participantes, desde sus diversas capacidades individuales y el trabajo en grupo, generan nuevos discursos y experiencias cognitivas y visuales tanto en el recorrido por las salas como en el posterior teatro de sombras.

En su texto para el proyecto Ni arte ni educación, Luis Camnitzer denuncia la separación disciplinaria de ambos conceptos y nos invita a la tarea épica de “recargar y unificar (estas) palabras ya conocidas y por ahora muertas por el mal uso”. Frente a la visión del arte en nuestra cultura como medio de producción (El museo es una fábrica), el arte sería una “meta-disciplina que permite subvertir los órdenes establecidos y nos permite transitar continuamente del área del conocimiento al área del desconocimiento”. Es en “ese identificar los misterios de lo desconocido, desmitificarlos y superarlos para entonces enfrentar los nuevos misterios”, donde se produce la verdadera educación, según Camnitzer.

480+20 es un grupo heterogéneo formado por artistas, estudiantes (presentes, pasados y futuros), profesoras, ciudadanas… que empleará un tiempo largo para pensar juntas sobre el aprendizaje de las artistas en la universidad. En “La enseñanza del arte como fraude”, Luis Camnitzer cuenta que entre los 5000 estudiantes que tuvo cuando daba clase en universidades estadounidenses, de los 500 que “tenían la esperanza de lograr éxito a través de muestras en el circuito de galerías”, solo unos 20 lo lograron. Los 480 restantes “terminaron con la esperanza de vivir de la enseñanza”. Para sobreponernos al desencanto de sus reflexiones, querríamos indagar otras aritméticas. Somos 480 y queremos ser más. Somos 20 pero aspiramos a ser 500. Estamos masificadas y de ahí nace nuestra fuerza. Sin idealizar, hay que trabajar en la idea de estar juntas. No hay rivalidad, porque tampoco está claro si hay pastel para repartir o nos convendrá más cocinarlo entre todas.

El itinerario Cuerpo forma parte de un programa de visitas comentadas que hacen un recorrido transversal por varias partes de la Colección, en este caso centrada en la segunda mitad del siglo XX.

La presencia de un Intérprete en Lengua de Signos Española (ILSE) y el préstamo de lazos de inducción magnética garantizan la plena accesibilidad de la comunidad sorda.

Si fuera un movimiento… es un viaje multisensorial, en el que una bailarina y un músico dialogan con las obras en y desde los espacios del Museo. La metodología de la actividad potencia la observación activa, la implicación emocional y el trabajo colectivo, mediante dinámicas participativas basadas en la percepción intrínseca de las obras, los sonidos y movimientos que inspiran, y los lugares físicos que ocupan en las salas del Museo.

Esta propuesta, basada en un recorrido por obras de la Colección 2 y un taller de teatro de sombras, busca hacer de lo teatral un modo de vincular a los participantes con la experiencia artística mediante la experimentación corporal de las obras. El gesto, la composición escenográfica o el potencial expresivo de la luz permitirán a los participantes generar experiencias significativas a partir de las piezas y explorar, además, la relación entre teatro, arte y vida.

Salto al vacío conjuga dinámicas circenses con procesos interactivos de exploración y contemplación participativa entre los educadores-artistas, los participantes y las obras de la Colección. De este modo, los alumnos de Centros de Educación Especial y los usuarios, jóvenes y adultos, de Centros Ocupacionales son invitados a acercarse al arte a través de formas inclusivas de comunicación basadas en la expresión corporal.

El juego, como una de las primeras vías de experimentación y descubrimiento del mundo, tiene un gran potencial a la hora de plantear una aproximación temprana del alumnado de Educación Infantil al arte contemporáneo. Es por ello por lo que se usa como vehículo en esta actividad, que lleva a los participantes a través de un recorrido por obras de autores de la Colección del Museo, en el que el propio hecho de jugar es la clave para una estimulante experiencia de apreciación artística.

Las problemáticas de lo educativo en el contexto de las instituciones culturales han preocupado a Camnitzer a lo largo de toda su trayectoria. Su posición como curador pedagógico en la Sexta Bienal de Mercosur en 2009 abrió un camino de experimentación sin precedentes en torno a la mediación artística y la educación en museos que fue enunciado en el texto “Educación para el arte. Arte para la educación”, en el que el artista defiende la verdadera posición de lo educativo como eje central de las instituciones artísticas: “Para nosotros la Bienal, a pesar de su nombre, no es una exposición que resucita cada dos años. Es, en cambio, una institución viva y continua que, dedicada a la educación del arte, funciona permanentemente”.

Siguiendo con el acercamiento al arte contemporáneo por medio de diversas formas de expresión, más allá de la tradicional transmisión oral de conocimientos, esta propuesta aporta una visión desde el lenguaje circense. Mediante dinámicas y recursos tomados de ese mundo (acrobacias, malabares, clown, comedia física), que se revelan como interesantes estrategias de aproximación a las obras, se indaga en las diversas posibilidades creativas abiertas por diferentes artistas presentes en la Colección del Museo.

Tomando como punto de partida diferentes obras de la Colección del Museo, la actividad busca realizar con los participantes un trabajo de descubrimiento de las distintas maneras de construir biografías y de identificación de los diversos elementos que confluyen en todo relato biográfico o autobiográfico. Recuerdos, expectativas, lugares, espacios y personas serán, entre otros, elementos comunes entre las obras y las vivencias del alumnado, que ayudarán a vincular éstas con sus propias experiencias personales.

Lo que hay en juego es una actividad para menores entre 4 y 6 años y personas adultas centrada en el juego como base para acercarse a obras de artistas que han incorporado lo lúdico en su proceso creativo.